El arte, el gran aliado de los videojuegos

Fuente: Latercera.com

Autores de juegos "indies" coinciden en la necesidad de buscar lo original en un mercado saturado.

"Lo que hace vender a un videojuego es el arte". Son palabras de un ventiañero, el español Kevin Cerdá de Beautifun Games y creador de Nihilumbra, un éxito indie del videojuego. La frase la recibieron sus tres compañeros de mesa redonda en la cita internacional del Gamelab Barcelona 2014 —los noruegos Johannes Vuorinen y Mattis Delerud y el también español Jordi de Paco, nominado a 4 premios de la academia española del videojuego por Gods will be watching (Deconstructeam)— asintiendo con la cabeza. Porque a lo primero que se enfrentaron estos cuatro artistas del sector más experimental orientado a las tabletas, fue con una App Store rebosante de títulos clónicos en su aspecto. ¿Solución? Para destacar había que entrar por los ojos.

Dos de ellos, Cerdá y Vuorinen siguieron estrategias parecidas. Ambos se dieron cuenta de que los más exitoso (Candy Crush, Angry Birds…) eran una explosión de color y humor disparatado. Así que lo primero era quitar el color y en parte también el humor. "Y llegamos al mismo personaje", bromeó Vuorinen, autor de Badland, que lleva ya más de siete millones de juegos vendidos y fue elegido por Apple el mejor juego de la App Store en 2013. 

"Una silueta en negro con dos ojos blancos". Luego la metieron en un mundo opresivo y nostálgico, de aspecto triste, nuevamente para "diferenciarse". Tanto influyó ese punto de partida de ver qué hacen y hacer lo que no hacen que todo el argumento de Nihilumbra (arriba) se generó de ese germen: "Llegamos a la idea de que el protagonista era un pedazo de vacío, como nosotros lo éramos, un ente que quiere ser algo en el mundo y destacar. Y el enemigo es la propia nada, esa voz que le dice al personaje: ‘no lo conseguirás’".

Camino opuesto para la misma idea siguió Delerud con su Size DOES matter (DOS studio), ganador del Bafta en la categoría Ones To Watch. El suyo es un ejemplo de hacer de la necesidad virtud llevado al extremo: "No teníamos artistas. Así que tuvimos que inventarnos una estética sencilla y retro que pudiéramos manejar. Bloques y lucecitas". Pero con bloques y lucecitas bastan para plantear un juego frenético en que se maneja un pequeño bloque que cambia de tamaño y que tiene que atravesar las holguras entre barreras de brillante neón que se presentan al ritmo de la música. "Por ejemplo, en la canción de Savant hay una mujer que canta un: ‘Ah, ah, aah’ [la imita] y la piecita tiene que hacer lo mismo", explicó Delereud.

En este primer día de conferencias, se ha insistido desde la presentación, como dijo el veterano de la industria Gonzalo Suárez, en que "hay que venderse fuera". Pero el certamen también ha dejado lugar para que quienes quitan la razón a este argumento se expresen. Es el caso del argentino Máximo Cavazzani, creador de Apalabrados y Preguntados, los juegos de pregunta y respuesta a lo Scrabble o Trivial que más triunfan en los móviles y tabletas. Y están creados para los hispanohablantes. 

"El mercado anglosajón y el japonés están muy saturados. Cuando eres grande, puedes pensar en global. Pero cuando eres chico lo que debes elegir es dónde quieres crecer". Su apuesta le ha valido a Preguntados 12 millones de usuarios al día chateando y jugando, uno de los Top 10 a nivel mundial. Y Cavazanni avisa: "Cuando empecé en 2008, yo mismo dije que Latinoamérica no estaba preparada para un éxito de este calibre. Ahora tenemos más usuarios de Apalabrados (abajo)en Argentina que de Preguntados en España". Eso sí, este diseñador recuerda que hay que entender Latinoamérica "no como un todo, sino como un puzle de culturas y sensibilidades distintas".

De postre, vuelta al arte con Tim Schafer, mago del medio que trabajó para Lucasarts de George Lucas en aventuras como Monkey Island, El día del tentáculo o Grim Fandango y que lleva desde 2000 su propio estudio, Double Fine Productions. Ante una Sala Chomón abarrotada, unas 500 personas, Schafer habló del diamante que todos llevamos dentro, del simbolismo de Carl Jung, del origen de las ideas y de cómo Gaudí y Barcelona le salvaron de un día muy malo en que se enteró que uno de sus juegos había sido cancelado. En resumen, de arte: "No debemos temer llamarnos artistas porque suene pretencioso.    ¿Qué es el arte? Para mí, unir con la expresión del sentimiento a dos personas. Hacer brillar el fragmento de diamante que todos llevamos dentro". Se llevó la ovación del día. Varias veces.

George Lucas tendrá su museo en Chicago.

Fuente: El Universal

El Lucas Museum of Narrative Art será un lugar para el "arte narrativo y la evolución de la representación visual" y abarcará desde la ilustración al cine y el arte digital.

El cineasta y productor estadounidense George Lucas, creador entre otras de la exitosa saga "Star Wars", tendrá su propio museo en Chicago.

Según anunció en la tarde del martes, el Lucas Museum of Narrative Art (LMNA) será un lugar para el "arte narrativo y la evolución de la representación visual" y abarcará desde la ilustración al cine y el arte digital.

Además de Chicago, otras ciudades como Los Ángeles y San Francisco habían manifestado su interés en albergar el museo, que abrirá sus puertas en 2018.

El núcleo de la colección pertenece al propio productor de la saga "Indiana Jones" y expresidente de la productora Lucasfilm.

Sumarse a la escena cultural de Chicago

El LMNA será un lugar de encuentro para conocer la historia del arte narrativo y la evolución de la imagen visual, desde la ilustración hasta el cine y las artes digitales.

"Para nosotros es un honor asociarnos con la ciudad de Chicago y los numerosos grupos culturales, educativos y comunitarios que nos han recibido con diversas ideas para que el LMNA pueda hacer un aporte valioso a la ciudad", aseguró George Lucas, fundador del museo. "Me llena de orgullo integrar esta comunidad de museos tan extraordinaria y poder crear este museo en una ciudad que tiene una larga tradición de amor por las artes y la arquitectura".

"George Lucas revolucionó el arte de contar historias en las últimas cuatro décadas y por eso nos sentimos honrados de ser los receptores de esta inversión increíble, un legado que permitirá que todos puedan aprender y experimentar las artes narrativas", manifestó el alcalde Rahm Emanuel.

"Al igual que sus predecesores Marshall Field, John G. Shedd y Max Adler frente a él, la obra filantrópica de George será inspirar y educar a las generaciones que vendrán. En el mundo no existe ningún otro museo como éste, y por eso es una gran ventaja educativa y cultural, además de una oportunidad para generar empleo para todos los habitantes de Chicago y un punto de atracción sin precedentes para los turistas internacionales", agregó.

El LMNA, conocido anteriormente con el nombre de Museo de Artes Culturales Lucas, eligió instalarse en Chicago debido a la calidad del sitio propuesto por un grupo de trabajo de la ciudad.

El sitio se extiende a lo largo de casi 7 hectáreas y ofrece un acceso sin precedente para comodidad de los visitantes. "Instalarnos en Chicago es la decisión correcta para el museo, pero fue una decisión difícil para mí, personalmente, porque mis raíces personales y profesionales están en el área de la bahía", comentó Lucas, nacido en Modesto, California. "Agradezco a todos los californianos que se acercaron para apoyar el Museo".

La ubicación del museo, propuesto por un grupo de trabajo designado por el alcalde Emanuel, fue seleccionado en función de su accesibilidad al transporte público, su cercanía respecto de todos los puntos de la ciudad, el potencial para crear nuevos espacios verdes importantes, y su capacidad para alojar una estructura icónica. El LMNA transformará el sitio, ya que transformará las playas de estacionamiento de la superficie en estacionamientos subterráneos y reemplazará hectáreas de asfalto por más espacios verdes en torno al puerto. A principios del otoño se presentarán las representaciones arquitectónicas del sitio propuesto en el ayuntamiento de Chicago.

"Es un gran privilegio para el museo de ser un guardián de esta tierra tan valiosa", expresó Lucas, quien espera inaugurar el LMNA en 2018.

Arte Peruano: El enigma de un mundo surrealista. 

Fuente: Peru.com

Singulares representaciones surrealistas que el pintor peruano Héctor Acevedo plasma en sus cuadros.

Lima (Perú). Héctor Acevedo es un pintor de tendencia surrealista cuya obra se caracteriza por estar habitada por animales y personajes enigmáticos, en especial mujeres a las que les suele ocultar la boca, de posturas hieráticas a los que les otorga movimiento a través del juego de luces y sombras.

Estudió Dibujo y Pintura en la Escuela Nacional de Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú, ENSABAP, a presentado las exposiciones individuales Testigos de la Noche en la galería Amaranto, Lima (2010); en la Galería Langstaff, Bruselas, Bélgica (2008); Miradas interiores en la Casa de América Latina, Bruselas, Bélgica (2006); Entre el mito y la metáfora en el Espace Amalgama, Bruselas, Bélgica (2006), entre otras.

Obtuvo el Primer Premio en el IX Concurso Nacional de Pintura Coca Cola, exhibición de seleccionados y ganadores en la Sala del Banco Wiese Sudameris en Trujillo, Tercer Premio en el VIII Concurso Nacional del ICPNA, Lima (2001), así como a sido seleccionado en diversos concursos como el VI Concurso Nacional de Artistas Jóvenes 91 organizado por Southerm Perú y el ICPNA, en el Concurso de Pintura Michell en Arequipa, entre otros.

Arte como cambio .

Fuente: Tal Cual

En el año 2010 la psicóloga Diana Rangel decidió unir la psicología clínica y la fotografía para desarrolla su tesis de grado, el punto a investigar era conocer el significado de la violencia para un delincuente, cómo la entiende, cómo la define; así surgió Crónicas de un lugar imposible.

Un proyecto que busca repetirse y multiplicarse, y que arrojó resultados "sorprendentes e inesperados" para la licenciada. Un ejemplo más de que el arte sirve para transformar vidas, no solo para el que lo trabaja, sino para el que lo aprecia también.

Durante aproximadamente un año Rangel trabajó con siete jóvenes, de edades comprendidas entre 16 y 20 años, miembros de una banda delictiva, que habitaban en el barrio La Dolorita de Petare.

"En un principio solo hacía entrevistas por el barrio, luego me acerqué a esta banda y me mantuve muy unida a ellos para poder tomar sus testimonios, su versión de la historia", explica.

"A medida que fue avanzando en la investigación ­continúa­ salió la idea de incorporar la fotografía. La fotografía es una herramienta de proyección muy útil para una población como esa".

METODOLOGÍA A cada uno de estos muchachos Rangel ­quien también tiene estudios en fotografía­ le entregó una cámara fotográfica desechable y les pidió que registraran todo lo que era importante en sus vidas y cómo veían su vida. Esas fueron las únicas indicaciones.

"Nunca les dije cómo ver, ni les explique técnicas fotográficas. La idea era que la fotografía se convirtiera en catalizador del discurso", aclara Rangel El resultado de esa asignación, las imágenes que capturaron cada uno de ellos, "fotos muy metafóricas", luego fueron conversadas en sesiones privadas, terapias, con Rangel.

"Me encontré con resultados muy interesantes, que rompieron completamente con los prejuicios que tenía en ese momento sobre los delincuentes", asegura. "Son personas castradas, con mucho miedo de mostrar sus sentimientos.

Conocer todo lo que ha influido para que ellos terminaran siendo delincuentes: ausencia de la madre, violencia de parte del padre, malos ejemplos familiares ­sobre todo masculinos­ y problemas de autoestima, por citar algunas; fue muy interesante", admite la fotógrafa.

A los meses de trabajar con los jóvenes aparecieron algunos cambios en su conducta. "Durante la revisión de las fotos me encargué de hacerlos pensar, reflexionar. Con el tiempo se dieron cuenta que eran capaces de muchas cosas útiles. Luego de esto, cinco de ellos quisieron cambiar su vida, buscaron empleos formales", indica.

ALGUNAS CONCLUSIONES "Para ellos ser violentos es un modo de relacionarse, no está mal, es algo que está justificado en la zona donde viven. Hasta el momento que trabajé con ellos no sabían que lo eran", afirma la psicóloga.

"Todo lo que he leído, sobre todo desde la psicología clínica, ­continúa­ reza que el delincuente no tiene valores, yo me topé con unos muchachos que sí los tienen, pero trastocados; es decir, ellos pueden matar una persona por lealtad con otra. Está muy arraigado en ellos el valor de la amistad, de la lealtad".

PRÓXIMOS PASOS Las imágenes tomadas por los muchachos que trabajaron con Rangel estuvieron expuestas hasta el pasado mayo, en la sala 1 de la Fundación José Ángel Lamas (Fundalamas). Esta muestra fue la primera parada de un proyecto que continúa. Para el próximo septiembre las fotos serán expuestas en zonas populares como: Mariche, La Bombilla y El Valle.

"La exposición en Fundalamas cerró esa primera etapa: la investigación en La Dolorita. He modificado el proyecto, amplié el campo de acción, ahora lo he enfocado a la prevención", resalta.

Actualmente Rangel está dictando charlas en escuelas de zonas populares a chicos de primaria (10−13 años) que están en riesgo de caer en la delincuencia.

"Me gustaría formar gente para que haga esto, difundir el proyecto y hacer un manual de procedimiento para que muchas personas trabajen en esto, en la prevención de la delincuencia", concluye.

El arte urbano encuentra un espacio a través de Street Art Project de Google .

El proyecto del Instituto Cultural de Google reúne un total 5000 imágenes, 1175 de las cuales pertenecen a calles de América Latina . 

Tweet Enviar Frente a la necesidad de preservar el arte urbano, de carácter efímero, y de generar un acercamiento a estas obras, Google , bajo su Instituto Cultural, emprendió el proyecto Street Art, para reunir un total de 5,000 imágenes que decoran las calles de 15 países y los curadores a cargo suman 30.

Las muestras de arte de la región tienen una presencia importante y se trata de 1,175 imágenes las que han sido reunidas de América Latina. 

Las obras provienen de Colombia, Argentina, Brasil, Chile y México, la plataforma ya está "disponible" en https://streetart.withgoogle.com/es/#home y contiene desde un mapa de los muros con arte urbano hasta una muestra de aquellas expresiones a punto de desaparecer.

Sobre este último punto, Susana Pabón, gerente de Comunicaciones de Google para Colombia y Perú, dice que "la idea de abarcar una mayor expresión artística llevó a extender el proyecto este año a la digitalización de obras de arte urbano, en 15 países del mundo [...] esto tiene un factor muy importante, ya que, además de reflejar la cultura popular de un país, ayudamos a preservar un arte que usualmente se pierde rápido".

El proyecto permite a los usuarios conocer más sobre los orígenes del arte urbano al punto de ofrecer un recorrido interactivo por los inicios del movimiento del grafiti en Nueva York en la década de los 90. 

Tiene, además, la sección "Escucha la escena" para que los internautas conozcan las técnicas y los conocimientos de la voz de sus protagonistas.

Street Art Project de Google también permite efectuar contrastes entre el estilo de arte urbano de un país con respecto al de otro. La plataforma ofrece incluso la oportunidad de observar algunas muestras de arte en 360 grados gracias a que sus imágenes fueron capturadas por cámaras de Street View. 

El Lissitzky, el artista total que quiso transformar el mundo con su obra.

Fuente: (EFE).

El creador ruso El Lissitzky cultivó múltiples disciplinas que hacen que sea considerado un "artista total", que tuvo además el objetivo de poner su arte al servicio de la transformación de la sociedad, y ahora el Museo Picasso de Málaga repasa su trayectoria en su nueva exposición temporal.

"Es un artista total que trabajó todas las disciplinas. Fue pintor, fotógrafo, arquitecto, diseñador, tipógrafo, escenógrafo, educador y ensayista", ha recordado hoy Oliva María Rubio, comisaria de esta exposición de más de 130 piezas, que será inaugurada esta tarde por la presidenta de la Junta de Andalucía, Susana Díaz.

El Lissitzky (1890-1941) "se sumó con gusto al intento de un arte que transformara la vida y se pusiera al servicio de la sociedad y del hombre nuevo que se estaba construyendo", según la comisaria.

Desarrolló su obra en un momento en el que un "leitmotiv" en el arte "era la innovación y el culto por lo nuevo", y ésta es una de las claves para entender sus creaciones.

Durante los años 20, en sus estancias en Alemania y Suiza, intentó llevar las ideas y el arte rusos a Occidente y se mantuvo en contacto con artistas de la época, por lo que estuvo "en el meollo de la actividad artística en Europa".

Una de sus aportaciones más importantes es la conexión del arte con la arquitectura a través de los denominados "Proun" ("proyectos para la afirmación de lo nuevo"), en contacto además con una concepción del arte "que sobrepasa la producción de objetos para ser una actividad social y colectiva".

Entre estas creaciones destaca el "Prounenraum", una instalación que concibió para la Gran Exposición de Arte de Berlín en 1923 y de la que se puede contemplar una réplica en el Museo Picasso de Málaga.

"Con el 'Prounenraum' trastocó lo que venía siendo habitual en una exposición de arte, planteando un conjunto de formas geométricas abstractas bidimensionales y tridimensionales que se despliegan en el espacio sin ningún eje", ha señalado la comisaria.

También se expone en Málaga el autorretrato fotográfico "El constructor", que desde aquel momento "se convirtió en icono de un arte que combinaba la tecnología moderna con el intelecto humano".

En el campo de la tipografía, combinó elementos de imagen y texto en una misma página, y en la década de los años 30 su trabajo fundamental fue el diseño de la revista propagandista "URSS en Construcción", que había sido fundada por Máximo Gorki en 1930.

"Es una etapa más oscura de su carrera, porque trabajó para vender una imagen positiva de un país en el que se estaban dando las grandes purgas que llevaron a miles de personas a la muerte", ha apuntado la comisaria.

Paradójicamente, la arquitectura fue su gran pasión y la única que no pudo llevar a cabo, pese a que elaboró proyectos, finalmente no construidos, como los de un rascacielos horizontal, un club náutico, una comuna o un nuevo edificio para la revista "Pravda".

"Más allá de su implicación en la propaganda del régimen soviético, sus aportaciones al espacio público y sus contribuciones a la tipografía y al diseño de exposiciones permanecen como un ejemplo del arte que aspiraba a participar en la vida y mejorar el mundo", ha resaltado Oliva María Rubio.

Por su parte, el director artístico del Museo Picasso, José Lebrero, ha señalado que la figura de El Lissitzky puede "ayudar a contextualizar el talento y la grandeza artística de Picasso".

"En los mismos años en los que en París se estaba discutiendo y desarrollando un ejercicio crítico sobre los modelos clásicos de percepción ocular de la obra, en el otro extremo de Europa, en Moscú, artistas con otra mentalidad, otra cultura y otra urgencia política, social y cultural hacían otras visiones críticas con el modelo heredado del Renacimiento", ha añadido Lebrero.

Pejac, arte callejero que combina el humor y la melancolía para "ganar la batalla a la rutina"

Fuente: 20minutos.es

El artista español pinta en la vía pública motivos que van del trampantojo a la silueta elaborada, siempre en un tono poético y agridulce. Sus obras tienen el mismo tono humorístico y reflexivo: un salvavidas en un cementerio de neumáticos, una aleta de tiburón en una piscina de bolas... "Los servicios de limpieza de algún ayuntamiento han borrado algunas obras. (...) Política y sociedad no van de la mano".

"La melancolía es el motor de muchas de mis obras, pero también la suelo mezclar con humor.

La combinación de ambos es un buen detonante para lograr un lenguaje poético que huye de la belleza simple y busca su esencia en la cara oculta de las cosas", dice Pejac. Las imágenes que el artista español —que no revela nombre real, edad ni lugar de procedencia—  crea en la vía pública contienen una poesía melancólica que sorprende al peatón. Celdas con las rejas abiertas y amarradas a los lados como cortinas, una alcantarilla convertida en un código de barras, la figura de un hombre que barre las cenizas en las que se deshace poco a poco, el mundo que se va por el desagüe... En cada trabajo transluce el cariño que tiene por la calle, que considera como el mejor vehículo para "acercar" su arte "a gente que por los motivos que sea nunca ha puesto un pie en un museo o en una galería de arte". En las paredes es capaz de crear desde sencillos trampantojos —como lo que parece una esquina despegada en un aviso de prohibido fijar carteles— hasta elaboradas siluetas, como la de una niña que parece colgar la ropa y en realidad fabrica una tela de araña. Sobre el papel, cuando expone en galerías o salas, se permite mostrar acuarelas y pinturas elaboradas que no podría crear con tranquilidad en la vía pública: un salvavidas en un cementerio de neumáticos, una aleta de tiburón en una piscina de bolas, un avión de papel estrellándose y dejando una estela de humo y virutas que sobresale del marco... "La vida del adulto es pura inercia" Hay obras suyas en Madrid, Barcelona, Málaga, Santander, Salamanca, Lisboa, París, Milán, Moscú... A veces piensa en la idea y después busca el lugar para materializarla. "Puede ser pactado o no", si encuentra ahí afuera el escenario que justo estaba buscando, reconoce que no suele echarse atrás. Pejac confía en la suerte, "la gente nunca me ha recriminado nada. En todo caso algunas obras han sido borradas a conciencia por los servicios de limpieza de algún ayuntamiento. (...) Política y sociedad no van de la mano". Si además logro una reflexión, la cosa va tomando sentidoCuando se le pregunta por influencias no revela grandes nombre ni maestros atemporales. A veces han sido más importantes para él "compañeros de clase de esos que no piensan en las notas", por su actitud ante el arte más que por "las obras de arte en sí". Receloso del mundo académico, destaca que ese tipo de personas son las que dan "lecciones de humildad", la "asignatura pendiente" de algunos profesores universitarios. Fue precisamente tras su primer día en la Facultad de Bellas Artes, cuando —"algo contrariado"— pintó en la calle por primera vez, improvisando "una pintada política en el mismo muro de de la Facultad" con los materiales recién comprados. Las posibles reacciones de quienes encuentran sus pinturas lo impulsan a continuar. "La vida del adulto es pura inercia y parece que tiende a romperse únicamente por estímulos o noticias negativas. Si además logro una reflexión en las personas que se topan con mis obras en la calle, la cosa va tomando sentido". En cada poesía gráfica que Pejac plasma en una pared, el artista ve una batalla contra la rutina, "y la mayoría de las guerras se ganan con el factor sorpresa".