domingo, 10 de agosto de 2014

Artista mexicano crea polémica con su arte inspirado en Disney. 

El artista mexicano José Rodolfo Loaiza Ontiveros está dando de qué hablar en las redes sociales por su arte inspirado en personajes de Disney. Tanto así que ahora tiene dos nuevos apodos, “el artista polémico” y “el artista que arruina infancias”, tras presentar sus obras en Los Ángeles.

¿A qué se debe la controversia? Pues a la exposición Profanity Pop que Loaiza Ontiveros presentó el pasado 1 de agosto en La Luz de Jesús Gallery de la ciudad californiana. En la misma se muestran un trabajo al óleo a dos príncipes a los que casa el papa Francisco y lo titula "¿Quién soy yo para juzgarlos?". Ya ha sido vendido por $1,800.

En otra obra se puede apreciar a una Blancanieves con sobrepeso tomándose un selfie. Se titula "Espejito, espejito en la pared".


Otro cuadro titulado "Paloma negra" muestra a Blanca Nieves, Cenicienta, Bella y Frida Kahlo con caras de decepcionadas mientras cada una sostiene una botella de bebida. Fue vendido por $2,600.




En "La revancha de Cenicienta" , vendido por $2,500, el famoso personaje escribe insultos en el retrato de su madrastra. ¿Qué te parecen?





Otras Obras:
















Venezuela / Ukraine: una exposición de arte que conecta realidades.

“Venezuela/Ukraine. Unexpected conversation” es una exposición de la Black Square Gallery en Miami que ha reunido el trabajo de cuatro artistas contemporáneos venezolanos y dos propuestas multimedia ucranianas para establecer un diálogo (a través del contraste y el discurso inesperado) acerca de las crisis políticas y sociales que estos países están viviendo


Es un diálogo a destacar: este mes, en Miami, Black Square Gallery, está presentando Venezuela/Ukraine. Unexpected conversation. Una muestra que entabla diálogos paralelos y contrapuestos entre las obras de cuatro artistas visuales venezolanos y dos propuestas multimedia ucranianas.

A partir de la crisis social que se acentuó en Venezuela durante este 2014, puede que para muchos el escenario visto y vivido no guardase demasiada diferencia de lo que se transmitía en los medios de comunicación acerca del conflicto que se estaba dando paralelamente en Ucrania. Esa asociación –con los niveles de diferencia respectivos– pudo tener cabida para algunos: a simple vista la coincidencia residiría en una identificación de realidades palpables (la violencia en las calles producto de protestas de grupos descontentos), aunque los orígenes de cada conflicto hayan sido disímiles.

Lo (probablemente) inesperado era que rápidamente se estableciera un diálogo por medio de las artes visuales que trataran –por separado y en contraposición– ambos conflictos. En la muestra cuatro venezolanos: Amalia Caputo, Carola Bravo, Pepe López y Tony Vázquez desmontaban nuestro país desde varios tópicos estableciendo, a través de las propuestas visuales, críticas culturales. Aquí varios ejemplos: Caputo en Constellation, a place of no return (2014), en una instalación que reúne fotografía, sonido y video, intenta revivir a una Venezuela a la que desea recuperar, se activa la nostalgia, el temor y la impotencia ante la pérdida de un país que ya no es. Bravo en Golden Scars (2014), repara al mapa de Venezuela, que se concibe herido y lesionado, con rellenos de oro. Su interés es abarcar el símbolo patrio como una forma desde donde reconfigurar y rescatar la ecuanimidad en medio de condiciones de cambio. Pepe López en Historia contemporánea de Venezuela (2014) coloca varias botellas de whisky en un carrito tipo bar para contar su propia versión de la historia venezolana y sus períodos políticos a través de las marcas de licor escocés. Tony Vázquez en La Alquitrana (2014), elabora una escultura que reproduce la forma de una tradicional cafetera hecha en material bituminoso para indagar sobre la idea de cómo en Venezuela hemos sobreestimado al petróleo como única fuente de riquezas sin tomar en cuenta que, por ejemplo, nuestro país puede destacar como un principal productor de café. Son diálogos interesantes de artistas jóvenes venezolanos que comentan, desde sus propias miradas, a la Venezuela en crisis tomando en cuenta el pasado que nos ha conformado como sociedad y el presente que nos tiene atrapados en una crisis política y social.



Vista en sala de instalaciones de Amalia Caputo y al fondo, Tony Vázquez / Foto: Cortesía Oriol Tarridas Photography

Por su parte Ucrania es representada por dos grupos multimedia. Strike Plakat es un proyecto que reside en Facebook en donde artistas y diseñadores gráficos suben sus posters y quien desee tiene la posibilidad de descargarlos, imprimirlos y llevarlos como material visual a cada protesta. Y, por otro lado, Babylon 13 es un documental creado por varios directores en Kiev que narra el proceso en que los ciudadanos comenzaron una protesta pacífica denunciando la corrupción del gobierno de su país.

Las Tortugas Ninja, convertidas en obras de arte renacentista.

  Es de sobra conocido que el nombre de las Tortugas Ninja responde a un homenaje a los artistas del renacimiento como Da Vinci, Donatello, Rafael o Miguel Ángel; pero, ¿cómo serían las famosas tortugas si se convirtieran en algunas de las obras más memorables de estos pintores y escultores?

   A continuación te mostramos el resultado de mimetizarlas con El David de Miguel Ángel, El Hombre de Vitruvio de Da Vinci, el retrato de Bindo Altoviti de Rafael o El David de Donatello.


EL DAVID DE MIGUEL ÁNGEL:



EL HOMBRE DE VITRUVIO DE DA VINCI:



EL RETRATO DE BINDO ALTOVITI DE RAFAEL:



EL DAVID DE DONATELLO:




  En su nueva versión cinematográfica, Donatello, Leonardo, Raphael y Michelangelo deberán enfrentarse de nuevo a Shredder y su malvado Clan del Pie que mantienen un control férreo sobre los políticos y policías de Nueva York. Llega la esperanza cuando cuatro hermanos, las Tortugas Ninja, salen de las alcantarillas para combatir el mal, con la ayuda de la reportera April O'Neal (Megan Fox) y su cámara Vern Fenwick.

    Ninja Turtles llegará a los cines españoles el 29 de septiembre tras hacerlo en Estados Unidos el 8 de agosto. Junto a Fox, Alan Ritchson, Jeremy Howard, Pete Ploszek, Noel Fisher, Will Arnett, Danny Woodburn, Johnny Knoxville y William Fichtner completan el reparto de la cinta de Jonatham Liesbesman.

El arte digital se puede colgar en la pared.

En un mundo dominado por el internet y la cultura visual, el arte debe adecuarse hacia ciertas exigencias. ¿Por qué no pensar, por ejemplo, en colgar una obra de arte digital en la pared de tu casa o un museo? 

A Jake Levine, un emprendedor en Nueva York, le gusta el tipo de arte que tiende a ser popular en internet – fotografías ingeniosamente manipuladas en Photoshop, e imágenes animadas como GIFs – y quería una forma de sacarlo de su computadora y ponerlo en una pared. Pero, ¿cómo se cuelgan los pixeles en una pared?

Consideró sus opciones. Sí, los marcos de imágenes digitales eran poco costosos y estaban ampliamente disponibles, pero tendían a ser pequeños y poco sofisticados. Y parecía un derroche colgar una tableta o un monitor costoso en una pared, donde sería tentador usar el aparato para navegar por internet o ver películas en lugar de disfrutar de una pieza de arte.

Eventualmente, armó un lienzo digital usando un monitor poco costoso y una computadora llamada Rasperry Pi. El monitor era controlado por una sencilla aplicación web que le permitía seleccionar imágenes en línea y cambiarlas instantáneamente, con un clic.

Fue lo bastante prometedor para que Levine decidiera renunciar a su empleo como gerente general de Digg, un sitio nuevo para enfocarse en construir estas pantallas de tiempo completo.

Levine llamó a su compañía Electric Objects y recaudó 1.7 millones de dólares a través de una ronda semillero de financiamiento aventurero en abril para rentar una oficina y contratar empleados. 

Para generar retroalimentación, también usó el dinero para construir y enviar un ciento de prototipos a otros emprendedores y artistas. Planea vender una versión pulida de su prototipo por 299 dólares a fines de este año.

La primera vez que escuché de la compañía, no estuve segura de que el concepto tuviera un atractivo de mercado más amplio, en gran medida porque no estoy convencida de que la gente quisiera más dispositivos con pantallas en sus casas. Como alguien que posee una tableta, un smartphone y una laptop, definitivamente yo no querría. Incluso me he resistido a comprar un televisor. Pero después de ver un prototipo, quedé impresionada por la sencillez de la máquina. Y si la gente está dispuesta a comprar dispositivos independientes para reproducir música, monitorear su salud y ayudarles a manejar sus casas, ¿por qué no comprar uno para la cultura y el arte?

UN MERCADO EN ASCENSO

Levine no es el único emprendedor que ve un mercado aquí. Varios competidores, incluidos Instacube y FRM, están trabajando en enfoques similares para las instalaciones digitales para el hogar.

Yugo Nakamura, co-fundador y director creativo de FRM, dijo que veía su marco digital como un servicio para los creadores y los fanáticos de la cultura visual.

“Si vemos hacia el futuro, las pantallas serán vistas como un medio dominante como el lienzo lo fue por siglos. Es lo que creamos con estas herramientas lo que será más recordado", señaló. 

Aseguró que la gente se sentiría atraída hacia el arte que la pantalla fomenta, y no solo el dispositivo mismo. El hardware es secundario ante el arte. “No estoy seguro si nuestro experimento 'regirá al futuro’ por decirlo así, pero el momento parece oportuno”, afirmó.

Tanto Levine como Nakamura planean cultivar redes de artistas que creen obras exclusivamente para las pantallas, las cuales la gente pudiera comprar a través de una tienda en línea. El objetivo mayor no es simplemente reproducir fotos y pinturas famosas, sino apoyar a una comunidad creciente de artistas que crean animaciones e imágenes por computadora. 

“La razón de que la gente no esté pagando por el arte digital es porque la experiencia no se siente viable”, sostuvo Levine. "Debemos sacar el arte de Internet". 

Zoë Salditch, una curadora que ha experimentado trabajar con artistas experimentales y de nuevos medios, está desarrollando la red de artistas de Electric Objects. Dijo que usar las pantallas para exhibir arte interactivo o digital era bastante común en el mundo del arte, pero no aún entre los consumidores.

“Todo el tiempo se ve este tipo de dispositivo en una versión amateur en las galerías”, comentó. Pero puede ser difícil y caro para los aficionados al arte que no tienen antecedentes en hardware y software para recrearlo.

Salditch está trabajando en crear un programa de “artistas residentes” a través de la compañía que proporcione un estipendio y un prototipo de la pantalla a varios artistas digitales, para alentarlos a crear piezas diseñadas específicamente para el dispositivo.

Robin Sloan, autor de una novela futurista llamada “Mr. Penumbra’s 24-Hour Bookstore”, ha estado jugueteando con un prototipo de Electric Objects. Dice que este tipo de dispositivos hacen el juego a nuestra actual fascinación cultural con la creación de imágenes y el hecho de compartirlas en sitios como Facebook, Pinterest, Instagram y Tumblr, pero en una forma mucho más significativa.

“Todo el Internet social está construido con base en imágenes. Y no se puede negar que todos estos sistemas parecen querer es que consumamos más imágenes, más rápidamente, todo el tiempo. Lo cual termina siendo un poco repugnante", indicó. 


viernes, 1 de agosto de 2014

Falso techo: arte yayabero en Augustusburg.

Nuevamente los integrantes del proyecto Utopía: un paso adelante han unido fuerzas e intelecto, esta vez para llevar a tierras alemanas parte del talento creador que actualmente atesora nuestra ciudad.
Gracias al trabajo mancomunado de los artistas de la plástica Julio Neira Milián (Cuba) y Rolf Büttner (Alemania), la Galería de la Torre en el Castillo de Augustusburg, en Oederan, acoge por estos días la exposición colectiva Falso techo, integrada por obras de 11 creadores yayaberos interesados en abordar la simulación como estrategia discursiva afín al arte contemporáneo.
En esta muestra podemos distinguir dos caminos estéticos fundamentales: por un lado, la tendencia post-mínimal, con trabajos donde la forma se supedita a la idea y se procura transmitir la mayor cantidad de información empleando el mínimo de recursos. Así, un elemento gráfico propio de las historietas como son los globos de diálogo, esta vez elaborados en tres dimensiones por Darel Martínez, aluden a la necesidad de crear espacios donde cada quien exprese lo que sienta o desee.
Mientras, el lúdico diálogo entre dos amantes que ofrece Darián Vidarte, amén de quebrar las fronteras entre arte y literatura, nos hace pensar en las dinámicas internas del proceso de creación y la responsabilidad real que tiene el creador al concebir la obra, pues el saldo simbólico de su pieza no se obtiene sin la participación intelectual del público.
La idea del arte reflexionando sobre sí mismo, o del arte como texto susceptible a la decodificación, son los motivos principales de los lienzos calados de Nosley Expósito, quien transforma sus obras en un verdadero ejercicio lingüístico, y de los ready made bidimensionales de Mayday Machado, interesada en potenciar las texturas propias de una pelota de basquetbol o una página impresa en alfabeto Braille, cuyas superficies pueden convertirse en tacos de grabado una vez son vistas y empleadas desde otra perspectiva. Por su parte, Alexander Hernández Chang y Ángel Luis Méndez Montagne también se hacen eco de esta relación entre vida y creación al intervenir objetos cotidianos que nos hacen reflexionar sobre los procesos de conformación de la identidad, las estrategias de supervivencia del cubano y la importancia de esas micro-historias, ocultas o silenciadas, que podemos encontrar a nuestro alrededor.
El segundo camino está más interesado en la pintura y la fotografía, e incluye obras que van desde lo grotesco expresivo (Omar Fernández Galí), el abstraccionismo lírico (Luis García Horruitiner) y la manipulación digital (Claudia Torres y Yasmani Alpízar Fis), hasta los barrocos dibujos de Julio Neira, quien despliega su particularísimo acervo iconográfico en una serie de dibujos donde la insularidad, la construcción de los imaginarios personales, la religiosidad popular y la necesidad de expresión desempeñan un papel fundamental.
En un mundo sacudido por crisis económicas, guerras absurdas y derroches tecnológicos que disuelven las fronteras de la realidad y solo aumentan la incomunicación entre los seres humanos, una vez más el proyecto Utopía… hace del arte un cruce de caminos donde artífices cubanos y alemanes se dan la mano para dialogar sobre las problemáticas que hoy estremecen a nuestro planeta. Sirva esta exposición para estrechar con nuevos bríos estos lazos creativos, y esperemos futuras ediciones en Sancti Spíritus.
Artistas palestinos convierten el humo en arte.

"Queremos llamar la atención de la gente que vive lejos de aquí sobre lo que está pasando en Gaza" declara uno de los diseñadores.

Tres artistas palestinos han transformado el negro humo que invade el cielo de la ciudad de Gaza en arte. Tal y como recoge el diario 'The Independent', el objetivo de estos diseñadores gráficos es "captar la atención de la gente sobre lo que está pasando en Gaza, sobre todo de la que vive lejos de aquí, que probablemente no sabe nada", ha declarado para el rotativo Bushra Shanan, de 25 años.

En sus diseños las cortinas de humo de las bombas israelíes se convierten en espectaculares exhibiciones de la vida cotidiana y la cultura locales. Canalizando su talento a través del Photoshop, los artistas consiguen dar vida a un grupo de niños o una familia que parece escapar del infierno.

En palabras para la página web 'Inhabit', otro de los integrantes del grupo, Twfik Gebreel, ha admitido tener la ambición de "exponer en muchos países y publicar mis representaciones sobre el sufrimiento del pueblo de Palestina con el arte".

Por su parte, Belal Khaled, el tercer miembro, un fotógrafo de la agencia Turkish Anadolu establecida en Gaza, ha convertido las columnas de aire negro en un puño cerrado, símbolo de la protesta palestina, así como en diferentes manifestaciones de la fauna autóctona.


La fuerza equina está en el arte de Hellen Constante.
Fuente: eluniverso.com.

Veinte trabajos en gran formato son los que preparó la artista ecuatoriana Hellen Constante para enviar a Asia, donde su exposición individual titulada El galopar de colores efectuará un periplo por China.

La pintora cuenta que la propuesta para elaborar esta muestra surgió el año pasado cuando un cuadro suyo quedó finalista en el Art Revolution Taipei.

“Una empresa de arte vio mi sitio web, en el que hay pinturas de caballos. Me escribieron si podría trabajar con ellos, pues creían que mis obras tenían lo que ellos necesitaban para cubrir ciertas expectativas con algunas galerías, pues allá es el Año del Caballo y querían manifestarse en arte al respecto”, señala Constante.

La serie es “una vista contemporánea” con la temática de estos equinos, comenta. “Solo hay caballos, pintados en diferentes ángulos, una mezcla de lo natural, de la fuerza de su poder, confundidos en una diversa gama de colores existentes en mi paleta”.

Las obras tienen como soporte el lienzo y el material para pintarlas fue el óleo. Constante comenta que trabaja en esta producción desde principios de este año. “Me ha tomado tiempo, no solo escogerlos (caballos), sino montar la exposición de tal forma que cubra toda expectativa, ya sea en el mostrar sus razas, colores, evitando la monotonía de la temática y sin querer rozar con el arte fotográfico”.

Dice la artista que este conjunto de cuadros le representó un reto. “Es difícil conseguir una comunicación con las expresiones del caballo, pero existen ahí muchos juegos, los colores, sus movimientos, su mirada y su presencia”.

La primera exposición de Constante se cumplirá por dos semanas desde el 18 de agosto próximo en una casa de arte de Taipéi. Luego, y por un mes, estará en la galería Tien di ren, en la misma ciudad, e irá a un estudio galería en Hong Kong.

Su obra también se verá en octubre próximo en el Festival de las Artes en Kaohsiung-Kenting. Asimismo, formará parte de una actividad en un estudio en Taipéi.

Finalmente, la muestra de Constante será trasladada al Studio 83 en Hong Kong. Se tiene previsto que los cuadros de la serie sean vendidos.

Significado de los caballos
La artista Hellen Constante afirma que los caballos “son sinónimo de fuerza, de belleza, de velocidad y de grandeza”. La pintora también ha hecho cuadros sobre mariposas, peces y un perro.