La nueva aplicación de la pinacoteca ya está disponible para Android e incluye nuevos cuadros y funciones, como ver las obras en alta definición a través del televisor.

La aplicación «Second Canvas Museo del Prado», ya está disponible, en inglés y en español, para dispositivos móviles con sistema Android. La aplicación es la primera creada con la plataforma Second Canvas, de Madpixel, e integra el conocimiento de la pinacoteca con la capacidad de interactuar del usuario.

La aplicación, que se encuentra también disponible en la App Store desde el pasado mes de marzo a un precio de 3,59 euros para iPad y iPhone, ha sido número 1 en descargas en más de 10 países en la categoría de Educación y número 1 de todas las categorías durante 10 días consecutivos en la App Store española. La nueva actualización incluye una imagen radiográfica del cuadro «El emperador Carlos V, a caballo, en la batalla de Mühlberg», de Tiziano. Una obra que se muestra por primera vez al gran público, ya que hasta ahora sólo se había visto en círculos especializados o publicaciones de museos.

Esta imagen, que dispone de varios niveles de navegación, permite admirar la obra con un altísimo detalle. Pone al descubierto el bastidor o los clavos del soporte, así como algunos arrepentimientos del pintor, como las correcciones que hizo en la figura del rey hasta dejarla más erguida y estilizada de como la había pintado en un principio.

Conectando el móvil a la televisión se pueden ver las obras en alta resolución

Otra de las posibilidades que ofrece la aplicación es su integración en las redes sociales: mientras el usuario navega por el interior de las obras maestras, puede capturar las imágenes de los detalles mostrados a través del superzoom y crear sus propias historias, que puede compartir en Facebook, Twitter o enviar por email. Por otro lado, gracias a su modalidad de conexión a la televisión por medio de cable o airplay, es posible disfrutar además de las imágenes a gran tamaño.

La «Gioconda» del Prado, por 0,89 euros

La versión para Android se ajusta al modelo freemium. De esta forma, los usuarios de Android pueden descargarse gratuitamente la aplicación, que además del Gigapíxel del Autorretrato de Durero incluye las fichas enriquecidas de todas las demás obras, y una vez dentro eligen la fórmula que prefieren para completar el contenido.

Del mismo modo, en ambas versiones es posible adquirir in-app la Gioconda del Prado por 89 céntimos. Por primera vez se puede contemplar con calidad y resolución gigapíxel esta tabla, fundamental para entender el modo de trabajo de Leonardo da Vinci y conocer las historias que encierra.

VER: App Second Canvas Museo del Prado

Arte en el puente.

Fuente: deia.com

‘ZUBIA BIZIRIK’ PRESENTA ACCIONES ARTÍSTICAS EN LA CABINA DEL PUENTE DE DEUSTO PARA REVIVIR LA MEMORIA HISTÓRICA DE BILBAO.

Se llama Zubia bizirik y es una iniciativa de la UPV y del municipio que tiene como objetivo recordar mediante el arte la importancia que tuvo el puente de Deusto para Bilbao. “La idea surgió cuando vi la cabina y pensé que la teníamos que aprovechar para que la gente viera la realidad social que vivió Bilbao en el siglo anterior”, aseguró el coordinador del proyecto, Juan Pablo Ordúñez.

La inauguración de esta iniciativa hace tres años fue un éxito aunque la obtención del presupuesto para poder ponerla en marcha resultó complicada. Aun así, seis proyecciones artísticas fueron las que vieron la luz. En el segundo año la iniciativa avanzó y consiguieron nueve y en la edición 2014 serán siete las creaciones que se expondrán en el emblemático puente.

Bilbao, en los últimos veinte años, ha mutado su aspecto de forma apabullante por eso “hay que revivir la memoria histórica de la villa y saber cuál ha sido el desarrollo”, asegura Arrate López Apellaniz.

Es la artista que ahora expone en el peculiar escenario una muestra de ocho fotos que narra los principales sucesos de la ciudad en torno al puente de Deusto. Desde Pilar Careaga, la primera mujer titulada en ingeniería industrial y alcaldesa de la villa, pasando por las revueltas de astilleros en la década de los 80 hasta cuando el puente era una referencia en el transporte fluvial. Asimismo, cuando cae el sol, un foco situado en el interior de la sala de mandos, alumbra las imágenes emulando a un faro que devuelve a la vida los recuerdos perdidos.

“Técnicamente me ha exigido mucho, pero personalmente ha sido espectacular. Todo el mundo me ha ayudado sin poner ninguna pega”, afirmaba López.

Zubia bizirik está destinado a jóvenes artistas que no gozan de oportunidades para poder exponer. Por eso, el coordinador afirma que “tuvo que decir que no a grandes artistas” para mantener la filosofía.

“Bilbao tiene todo lo bueno y todo lo malo; tiene muchos eventos artísticos, pero están desconectados entre sí”, afirma Orduñez. El proyecto, ideado por Ordúñez en colaboración con Arantza Lauzirika, decana de la facultad de Bellas Artes de la UPV/EHU enfoca el rumbo que sigue la docencia de esta materia. La línea de profesionalización hace que los alumnos se enfrenten a la realidad de los problemas de un artista.

Los bilbainos pueden seguir disfrutando del arte en plena ciudad, ya que este mes la iniciativa artística cita a Ixone Ormaeche para que deleite con su frescura y creatividad a todos los amantes de la cultura y de la historia.

El fotógrafo García-Alix desnuda sus reflexiones y su mirada con la exposición autobiográfica 'Autorretrato'

  El Círculo de Bellas Artes (CBA) acoge desde este jueves hasta el 28 de septiembre 'Autoretrato', una exposición autobiográfica en la que se desvelan todas las caras del fotógrafo Alberto García-Alix, quien, lejos de realizar un ejercicio de egocentrismo, muestra la búsqueda por la experimentación sobre sí mismo y su trabajo.

   La muestra, que está comisariada por Nicolás Combarro y se enmarca en el ciclo de PHotoEspaña, se centra en los trabajos más autorreferenciales del artista desde finales de los años 70 hasta la actualidad, un recorrido que no se presenta de manera cronológica ni se centra en una faceta personal, sino que abarca gran parte de su obra que le propio artista considera autorreferencial.

   Tal y como ha destacado el fotógrafo este jueves durante la presentación a los medios, lo que acogen las paredes de la Sala Picasso del CBA le cohíbe y confiesa que cuando le propusieron este proyecto no sintió mucha "ilusión" puesto que le daba "mucha vergüenza". "Era para mí como una sobreexposición", ha dicho.

   García-Alix se siente "contento" por volver a exponer en el CBA después de 16 años, especialmente ahora que "la cultura pasa por tantos problemas", y bromea: "Entonces vine con el pelo negro".

   El comisario de la exposición, Nicolas Combarro, ha explicado que esta muestra no es una selección de fotografías, sino una "mirada transversal de su vida", en la que no tiene cabida "no solo su cuerpo, sino "los espacios y objetos significativos" en su trayectoria. "Su obra tiene suficiente peso como para hacer viajar sobre una historia que, si bien es la de García-Alix, también remite a otros lugares", ha explicado.

   Esta exposición nace del proyecto editorial 'Autorretratos', un encargo de La Fábrica Editorial que incluye más de 150 fotografías desde sus primeros autorretratos a las fotografías de fragmentos de su cuerpo. El presidente de PHotoEspaña y director de La Fábrica, Alberto Anaut, ha indicado que ese es "su libro más personal". "Me preguntó si confiaba en él, quería diseñar el libro", ha indicado Anaut.

PERSONA E INTUICIÓN

   Por su parte, el director del CBA, Juan Barja, ha señalado que "la mirada del artista siempre incluye la mirada de la reflexión". "El ojo que mira tiene dentro una persona y una intuición", ha señalado.

   Alberto García-Alix (León, 1956) ha recibido diversos reconocimientos, tales como el Premio Nacional de Fotografía (1999), Premio de Fotografía de la Comunidad de Madrid (2004) y Premio PHotoEspaña (2012).

   Además de España, García-Alix también ha trabajado y residido en Francia y China. Ha publicado una docena de libros de fotografía y ha firmado vídeos de creación donde palabra e imagen se fusionan.

   También destaca su faceta de escritor, que se refleja en la publicación de cerca de 50 textos ensayísticos, relatos y cuentos en prensa diaria, revistas culturales y libros de imágenes. Como editor creó la revista de culto El canto de la tripulación y codirigió la colección Los Libros del Cuervo.

Mario Pereda triunfa en el V Certamen de Fotografía Solidaria con la serie 'Bajo el signo de la miseria' La serie titulada 'Bajo el signo de la miseria'. 

del madrileño Mario Pereda, ha sido la ganadora del V Certamen de Fotografía Solidaria convocado por la Diputación Provincial de Jaén, y que en esta edición ha contado con la participación de 22 fotógrafos que han presentado un total de 30 series, compuestas cada una por cinco instantáneas.

La serie titulada 'Bajo el signo de la miseria', del madrileño Mario Pereda, ha sido la ganadora del V Certamen de Fotografía Solidaria convocado por la Diputación Provincial de Jaén, y que en esta edición ha contado con la participación de 22 fotógrafos que han presentado un total de 30 series, compuestas cada una por cinco instantáneas. Ampliar foto Así lo ha anunciado este jueves la Diputación, que en una nota ha comunicado que el segundo y tercer galardón han sido obtenidos por María José Cestao, por la serie 'No es lugar para niños', y Catalina Gómez, por la serie 'El desafío de enseñar', respectivamente. El jurado, compuesto por fotógrafos profesionales, ha destacado la calidad de las diez series finalistas, en las que se refleja el objetivo de este certamen, "dar a conocer la situación y las condiciones de vida de la población en países desfavorecidos en diferentes partes del mundo y hacerlas visibles para sensibilizar, crear conciencias críticas y mover a la cooperación solidaria de nuestra sociedad". En este sentido, se ha valorado "la personalidad creativa, la contribución a la visualización de las condiciones de vida de las personas de países desfavorecidos y el dominio de la técnica fotográfica". La serie ganadora, 'Bajo el signo de la miseria', premiada con 1.200 euros, refleja la realidad de 23 millones de personas que viven en chabolas en Filipinas, y en las fotografías que la componen Mario Pereda ha puesto de manifiesto "la situación de indefensión de quienes no tienen acceso a servicios básicos y que se encuentran expuestos a desastres naturales", como ocurrió en 2013 con el tifón 'Hayyan' que dejó en las islas más de 10.000 muertos. En esta ocasión, el jurado ha coincidido con el voto popular, ya que la serie de Pereda también fue la más votada a través de la aplicación del Certamen de Fotografía Solidaria en la página de Facebook de la Diputación Provincial. El segundo premio, dotado con 800 euros, ha recaído en la serie 'No es lugar para niños', con la que la pamplonesa María José Cestao da a conocer la situación en la que se encuentran miles de niños, y "donde la pobreza, el maltrato y el abandono familiar son condiciones de vida habituales en muchas partes del mundo". Por último, la serie de la ubetense Catalina Gómez, 'El desafío de enseñar', ha logrado el tercer premio, dotado con 500 euros que, tal y como ha comunicado la propia fotógrafa, va a donar a las escuelas de Uganda que ha plasmado en sus instantáneas. En ellas, destaca "el derecho a la educación como la clave para frenar la pobreza y como herramienta para reclamar los derechos básicos". Esta quinta edición del Certamen de Fotografía Solidaria se ha desarrollado, al igual que la anterior, a través de la página de la Diputación en la red social Facebook y ha contado con la colaboración de los internautas, que en la fase de votación popular eligieron a las diez series finalistas.

100 años de Sun Ra, el viajero interestelar de la música.

A 100 AÑOS DEL NACIMIENTO DE LA ENTIDAD CONOCIDA COMO SUN RA, QUE LLENÓ EL JAZZ DE PSICODELIA CÓSMICA, RECORDAMOS A ESTE GRAN MÚSICO E ÍCONO.

La entidad conocida como Sun Ra nació el 22 de mayo de 1914 en Alabama bajo el nombre de Herman Poole Blount, pero esta sólo fue una parada más en su largo viaje interestelar, en este caso dedicada a la música como el lenguaje del espíritu. Según Sun Ra, su verdadero origen era Saturno y su alma conocía a los dioses que otorgan la inmortalidad.

Más allá de esta odisea espacial que coloreó de oro egipcio su vida, Sun Ra fue un prodigioso músico y compositor, pianista y pionero en el uso del sintetizador, que llenó el jazz de una dimensión cósmica y salvaje (su música, decía, era negra, negra como la tradición y como el espacio mismo: lo único increado). Sun Ra lideró a una polifacética orquesta o arkestra  con la cual realizó un tour de más de 25 años, ensayando por 12 horas seguidas (con una disciplina de otro mundo), montando un show psicodélico (presentándose en hasta 250 gigs al año) y una space opera que lo convirtió también en un irreverente ícono del fashion y en el gran precursor del afrofuturismo que hoy es una de las más estimulantes corrientes musicales, llevando la música de origen africana a un escaparate contemporáneo.

Sun Ra creía que no era un hombre, era un ángel en una misión solar (encarnando al dios del Sol egipcio, Ra). Consideraba que la humanidad estaba en un oscurantismo y por lo tanto se negaba a ser considerado un hombre. Aunque existen datos cruzados, Sun Ra citaba una experiencia ocurrida en 1937 (antes de que el fenómeno OVNI cobrara notoriedad) en la que habría sido abducido por una luz brillante y llevado a Saturno. Extraterrestres con antenas en las orejas le comunicaron que su misión era dejar la escuela y hablarle al mundo a través de su música.

Una extravagancia cósmica tan estilizada y automitológica tiene pocos parangones en a música, acaso Lee Scratch Perry, el productor jamaicano que también se jactaba de haber sido contactado por extraterrestres y de aprender telepatía de los árboles –el otro gran precursor del afrofuturismo.

Sun Ra pasará a la historia como una fuerza de la naturaleza, celebrando lo cósmico y extraño de la existencia. Thelonius Monk dijo de él: “Está volado… sí, pero tiene swing“. Este año se cumplieron 100 años del nacimiento de Sun Ra; buen momento para escucharlo de nuevo.

Sun Ra Arkestra 

 Face the Music / Space is the Place

Museo de Arte en Yucatán, primero que abre espacio a grafiteros.

Jóvenes de Yucatán, Distrito Federal y Estados Unidos, decoran los muros interiores del Museo Fernando García Ponce (MACAY), para dar vida con su graffity a la muestra ‘Muros Pintados’…

Expresiones artísticas de jóvenes grafiteros podrán ser admiradas por primera vez en la historia de los museos de arte en México, gracias a la invitación que el Instituto de Historia y Museos de Yucatán (IHMY) realiza para que estos artistas plasmen su obra en los muros interiores del Museo de Arte Contemporáneo (MACAY), como parte de las muestra titulada ‘Muros Pintados’.

Los muralistas del grafiti, Jesús Alberto Ortíz Marrufo y Alejandro de Jesús Cetina Tuz, fueron presentados durante una rueda de prensa en la que participaron el Director del Instituto de Historia y Museos de Yucatán (IHMY) y Presidente Ejecutivo del Festival Internacional de la Cultura Maya (FICMAYA), Mtro. Jorge Esma Bazán; el Secretario de la Cultura y las Artes (SEDECULTA), Mtro. Roger Metri Duarte; la Directora de la Fundación Cultural MACAY, Elba García Villarreal, la Directora del Colegio San Idelfonso, Bertha Cea; y el ex director del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), Ignacio Toscano.

Debido a que se trata de una muestra que viene a marcar tendencia dentro de las formas de presentar el arte urbano al público, el Presidente Ejecutivo del FICMAYA comentó que esta exposición es de singular relevancia debido a que estábamos acostumbrados a ver su trabajo sólo en las calles, y esta es la primera vez que los grafiteros entran a un museo: “La trascendencia es mayor debido a que no sólo es la primera vez en Yucatán, sino en todo el país, en donde un museo ofrece sus muros interiores al graffity al mismo nivel de todas las expresiones del arte contemporáneo internacional”, comentó Esma Bazán.

Detalló que la idea original surgió durante el Festival Internacional de la Cultura Maya el año pasado, en donde se le dio espacio a muchos jóvenes para que realizaran este tipo de expresiones plásticas, teniendo como resultado que los mismos artistas se sumaron con gusto aportando ideas y propuestas que tenían como tema central a los Mayas: “Hay que tomar en cuenta que por ser una expresión urbana y social se convierte en expresión artística, y su característica es reflejar en muchos de los casos a la misma sociedad”, subrayó.

El titular de SEDECULTA comentó también que el hecho de que estos jóvenes talentosos expongan su trabajo, les abrirá más oportunidades para que continúen desarrollándolo en otros foros, no sólo locales, sino también nacionales e internacionales; además de alentarlos a continuar resaltando este tipo de expresión plástica: “Estamos muy orgullosos de contar en el estado con artistas como ustedes”, resaltó Roger Metri.

De igual forma, la Directora del MACAY, Elba García, abordó la trascendencia social que tiene actualmente el graffity, ya que señaló que en los últimos años ha surgido el debate incluso entre los conocedores, sobre si el grafitty sigue siendo sólo eso -si es realizado en una pared en el interior o exterior de algún domicilio-, o si su contenido es ahora mucho más profundo, más planeado y con técnicas más finas y sofisticadas, donde ya no sólo es el hecho de pintar con un aerosol o plumones: “Todas las ideas son válidas, lo que debe tomarse en cuenta es que el graffity como el arte, también evoluciona, se adapta e incluso se globaliza”, apuntó.

Por su parte, los jóvenes artistas, Alejandro de Jesús Cetina Tuz y Jesús Alberto Ortiz Marrufo, ambos yucatecos, quienes participan con su obra en esta muestra, dijeron sentirse sumamente orgullosos de presentar su arte en un recinto de gran importancia como el MACAY, en donde junto a otros artistas también reconocidos en el arte del graffity, como Levi Ponce de Estados Unidos y José Luis Barrera Godínez del Distrito Federal, se reúnen todos ellos para plasmar en una muestra de vida, forma y color, los muros interiores de este recinto cultural.

Por último, el titular del FICMAYA, acompañado del ex director del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), Ignacio Toscano, felicitó en presencia del Secretario de la Cultura y las Artes, Roger Metri, a los jóvenes artistas y les deseó suerte en sus próximos proyectos, indicándoles que tienen un talento excepcional, mismo que ahora no sólo estará presente en las calles, sino en el interior de un recinto cultural, colocando el trabajo de los grafiteros mexicanos al nivel del que tienen estos mismo artistas en países como Canadá, Estados Unidos y Alemania; por lo que alentó a la ciudadanía a visitar la muestra: “La invitación queda abierta a todos para que la visiten y se dejen capturar por el arte envolvente del graffity”, indicó Jorge Esma.

Arte al desnudo en calles de Nueva York por día del body painting

Decenas de personas pusieron su piel como lienzo para un evento organizado por Andy Golub. Fue la única ciudad del país donde se hizo la peculiar celebración.