Más de 20 autores que florecieron con el arte urbano se reúnen en Nueva York en 'Verano cruel'

La exposición colectiva celebra el 30º aniversario de 1984, año de decisiva importancia para la explosión del grafiti y el muralismo en la ciudad. Está coordinada por Roger Gastman, historiador de referencia de las subculturas artísticas urbanas y autor del libro 'The History of American Graffiti'. Entre los artistas convocados están Dabs Myla, Eric Haze, Finok, Freedom, Horfe, Mike Giant, Niagara, Pose, Revok, Shepard Fairey, Victor Reyes...

El guiño inspirador es una canción cantada por el trío femenino inglés Bananarama en la banda sonora de la película Karate Kid de 1984. La letra mencionaba la crueldad del verano, la soledad de quienes deben permanecer en la ciudad y el calor imposible de aplacar. Partiendo de ese par de elementos pop de la cultura de masas, un hit y una película, la exposición Cruel Summer (Verano cruel) conmemora el 30º aniversario de un año decisivo para el arte urbano. Fotogalería 10 Fotos Artistas que florecieron en las calles La muestra, la más atractiva del verano en lo que concierne a las subculturas nacidas en la calle y para la calle, ha convocado a más de una veintena de artistas que se bregaron en el grafiti y el muralismo y florecieron como creadores para, tres décadas después, merecer la atención de museos y galerías. La exposición estará en cartel hasta el 23 de agosto en las dos sedes neoyorquinas de la Jonathan Levine Gallery [557C West 23rd Street y 529 West 20th Street, en el barrio de Chelsea]. La entrada es gratis. Autor de 30 libros Como garantía de que la selección es de nivel el coordinador de la muestra es Roger Gastman, historiador de referencia del arte urbano en los EE UU y autor de una treintana de libros, entre ellos The History of American Graffiti (La historia del grafiti estadounidense, 2011), considerada la obra canónica y capital sobre el tema. Gastman también fue uno de los tres curators de Art in the Streets, la primera exposición sobre grafiti que organizó un gran museo, el MoCA de Los Ángeles en 2011. El verano de 1984 fue impresionante: despegó el Discovery, Apple lanzó el Macintosh El coordinador de Cruel Summer, que se define como "antropólogo cultural de las

SURPRISE!Panel del artista HuskMitNavn

calles", explica con un ánimo más bien frívolo la idea de la muestra colectiva: "El verano de 1984 fue impresionante. El transbordador espacial Discovery despegó en su viaje inaugural, Apple lanzó la computadora personal Macintosh, se celebraron unos Juegos Olímpicos y Karate Kid fue la película de más éxito, con la canción Cruel Summer cantada Bananarama. El tema y su videoclip con tres mujeres jóvenes y hermosas vagando por las calles de la ciudad de Nueva York inspiró esta exposición". 'Crack', sida, represión... El background histórico de hace tres décadas era algo más complejo, sobre todo en la megalópolis neoyorquina, sometida a altos índices de inseguridad, incremento del consumo de drogas duras —fue el año de explosión de la llamada epidemia del crack—, represión policial, avance del sida... También, como respuesta y compensación, fue un momento de gran creatividad cultural, sobre todo en la música y las artes plásticas, cuyo lienzo empezó a ser la ciudad misma. BLADE hizo grafitis en 5.000 vagones de metro entre 1972 y

TIME AFTER TIME Mike Ballard

1984 Casi todos los más de veinte artistas seleccionados para la colectiva empezaron por entonces a bregarse en las paredes. Artistas como BLADE (Steven Ogburn), que pintó más de 5.000 vagones de metro entre 1972 y 1984 y es recordado por obras icónicas que cubrían por entero los convoyes; el puertorriqueño COPE (Fernando Carlo), que se autroproclamaba Rey de la Línea 4; Eric Haze, uno de los primeros artistas gráficos en colaborar con músicos de rap o Rime, establecido en Brooklyn, medraron en la época y están presentes en la colectiva.El autor del cartel de Obama La selección pone el contrapunto con autores de otras zonas de los EE UU, entre ellos algunos que gozan de categoría de artistas de alta cotización y gran demanda en los mercados como Pose, de Chicago, que ha introducido elementos pop en su estilo agresivo; Revok (Jason Williams), detenido por la policía y condenado en 2011 a seis meses de cárcel tras la presión policial sobre grafiteros y tagueadores en Los Ángeles durante la exposición Art in the Streets; Niagara, que se ha especializado en la ilustración y fue colaborador de Mike Kelley, muerto por suicidio en 2012, a los 57 años; y quizá el más famoso de todos, Shepard Fairey, autor del cartel electoral de Obama (Hope) en 2008.

RULE OF LAW 1Panel de Cleon Peterson (1973), que suele pintar escenas de pesadilla y destrucción.

SUPERSTAR #Obra de Eric Haze.

THE SWEETEST TOUCHDabs Myla es el nombre artístico de un dúo-matrimonio de autsralianos que empazaron haciendo grafiti y han derivado hacia la ilustración inspirada en el cómic.

Murió el actor Robin Williams.

El histrión estadounidense fue encontrado sin vida en su casa de Los Ángeles al mediodía. Las autoridades policiales no han dado a conocer la razón oficial de su muerte, pero adelantan que falleció por "asfixia mecánica"

El actor estadounidense Robin Williams, ganador de un Óscar por la película En busca del destino (Good Will Hunting) y cinco Globo de Oro, además de protagonista de películas como Jumanji, La sociedad de los poetas muertos, El capitán Garfio, Patch Adams y El hombre bicentenario, fue encontrado sin vida esta mañana por la policía en su apartamento de Los Ángeles.

La noticia la dio a conocer la policía del condado de Marin, en California (sureste de Estados Unidos), que informó que Robin McLaurin Williams, 63 años, residente de Tiburon, en California, fue declarado muerto a las 12:02 del mediodía. Y aunque no especificó oficialmente la causa de la muerte, adelantó que se trataba de una muerte por "asfixia mecánica", lo que hace suponer que el actor se quitó la vida.

Según su mánager y publicista, Mara Buxbaum, a pesar de que tenía innumerables proyectos cinematográficos por cumplir en los próximos meses –como el rodaje de la tercera entrega de Una noche en el museo y la segunda parte de Mrs. Doubtfire, Williams se encontraba en rehabilitación por abuso de drogas y por sufrir una depresión severa.

"Es una trágica pérdida", dijo Mara Buxbaum.  "La familia pide respeto y privacidad durante este horrible momento", agregó.

Su historia y la actuación

Nacido en Chicago, en el estado de Illinois, Williams era el  hijo único de un ejecutivo de la industria del automóvil, quien le brindó la oportunidad de recibir una buena educación formal.

Y aunque en su adolescencia nunca mostró inclinaciones por la actuación –adoraba los deportes y siempre manifestó que quería hacer una carrera política–, en  el año 1967 se trasladó con su familia a Marina County, en California, donde continuó sus estudios escolares, y donde finalmente despertó su interés por la actuación y el teatro.

De hecho, poco tiempo después ingresó en la academia de interpretación Juilliard School de Nueva York, y más nunca paró de desarrollar su carrera actoral.

Primero en pequeñas obras teatrales. Y a partir de 1978 en la serie televisiva Mork & Mindy, en la que interpretó a un extraterrestre y con la que conquistó al mundo entero con la frase "Nano nano".

Ya todos lo conocían.. Ya todos lo adoraban. Pero Williams se negó a continuar la serie televisiva por miedo a encasillarse. Así que decidió abandonarla y dar el salto al cine.

Su verdadero debut lo tuvo con Popeye, de Robert Altman, que aunque no consiguió la taquilla esperada, sí convirtió a Williams en uno de los rostros humorísticos más conocidos de Hollywood.

Luego vinieron El mundo según Garp, de George Roy Hill, en la que interpretó a un personaje difícil; Buenos días, Vietnam, en la que interpretó a un locutor de radio del ejército durante la guerra de Vietnam; La sociedad de los poetas muertos, en la que encarnó a un profesor de literatura sumamente particular; y El pescador de ilusiones, con las que obtuvo tres nominaciones al Óscar.

Pero fue su talento para cambiar la voz e imitar acentos, así como su versatilidad en distintos registros (hizo hasta películas de acción como Retratos de una obsesión de y dramas como Moscú en el Hudson, de Paul Mazursky, en la que compartió rol  con la actriz venezolana María Conchita Alonso, lo que le hizo conquistar el corazón de todos.

Adoraba las películas animadas. De hecho, en 1992 le prestó su voz a la película de Disney Aladdín, en la que interpretó al genio de la lámpara. Mientras que en Happy feet le prestó sus cuerdas vocales aun pinguino bonachón.

Tristeza por su partida

Mensajes de condolencia, sorpresa y tristeza se dieron en las redes sociales. Barack Obama escribió: "Fue un piloto, un doctor, un genio, una niñera, un presidente, un profesor, un Peter Pan y mucho más.

Su esposa, Susan Schneider, emitió un comunicado en el que afirmó que esta mañana perdió a su "esposo y mejor amigo".

"Mientras el mundo perdió a uno de los más queridos artistas y seres humanos. Yo estoy con el corazón roto. En nombre de la familia de Robin, estamos pidiendo privacidad durante nuestro tiempo de profundo duelo. Mientras es recordado, nuestra esperanza es que no se enfoquen en la muerte de Robin, sino en los incontables momentos de alegría y risa que nos dio a millones".

Steve Martin: "No podría quedarme más de piedra por la pérdida de Robin Williams, buena gente, talento genial".

Steven Spielberg: "Era una tormenta de luz de genialidad humorística y nuestra risa era el trueno que lo sostenía".

Kevin Spacey: "Hizo reír y pensar al mundo. Recordaré y haré honor a esto".

Alfonso Cuarón: "Me cuesta creer la muerte de Robin".

Anna Kendrick: "O Capitán" Mi capitán! Álzate y escucha las campanas".

BREVE HISTORIA DE LA BANDA METALLICA.

Metallica es una banda de Heavy metal originaria de Los Ángeles, pero con base en San Francisco desde febrero de 1983. Fue fundada en 1981 en Los Ángeles por el danés Lars Ulrich y James Hetfield, a los que se les unirían Lloyd Grant y Ron McGovney. Estos dos músicos fueron después sustituidos por el guitarrista Dave Mustaine y el bajista Cliff Burton, Mustaine fue despedido un año después de ingresar en la banda debido a su excesiva adicción al alcohol y su actitud violenta, y fundó la banda Megadeth, siendo sustituido por Kirk Hammett ex guitarrista de Exodus. Por otra parte, en 1986, la muerte de Cliff Burton en un accidente de autobús en Suecia provocó la entrada al grupo de Jason Newsted, quien, tras su abandono quince años más tarde, sería sustituido por el bajista actual, Robert Trujillo.

A la fecha, la banda ha editado nueve discos de estudio. Las ventas totales de Metallica superan los 100 millones, y se les considera parte de los cuatro grandes del thrash metal, junto con Megadeth, Slayer y Anthrax. Además, el grupo ha conseguido numerosos premios musicales, entre los que destacan nueve Grammys, dos premios otorgados por la cadena musical MTV, dos galardones de la Academia de Música Americana (American Music Awards) y un premio de la revista Billboard, además de poseer una estrella en el Paseo de la Fama de la revista Kerrang!

Se puede considerar que la historia de Metallica comenzó en 1980 cuando el joven Lars Ulrich, originario de Dinamarca, se trasladó con su familia a Los Ángeles. Hijo del tenista profesional Torben Ulrich, Ulrich había desarrollado una enorme afición por el heavy metal durante los años 70, cuando la NWOBHM (Nueva Ola de Heavy Metal Británico) tenía gran auge en la escena underground europea. Con su traslado a Estados Unidos, planeado por su padre con el objetivo original de preparar una carrera dentro del tenis profesional, dicha afición de Ulrich se convertiría prácticamente en una obsesión, que se concentraba especialmente en grupos desconocidos de la nueva corriente inglesa. Su prioridad al llegar a Los Ángeles fue la de explotar su capacidad musical junto con otros jóvenes, lo que le llevó en 1981 a publicar un anuncio en la revista Recycler, en el que solicitaba un guitarrista para formar una banda con influencias de las bandas de la NWOBHM, concretamente sus bandas preferidas: Diamond Head, Iron Maiden y Motörhead. El joven James Hetfield, hijo de un propietario de una compañía de camiones y de una cantante de ópera que educaron a sus hijos en la Ciencia Cristiana,5 respondió a su anuncio. Comenzaron a ensayar juntos y, aunque al principio a Hetfield no le convencía la forma de tocar de Ulrich, finalmente formaron una banda. La clave de esta unión fue el tema que Lars tenía reservado por parte de su amigo Brian Slagel, fundador de la compañía discográfica, entonces recién creada, Metal Blade Records, en el primer recopilatorio que editaría el sello, titulado Metal Massacre.

El nombre del grupo fue idea de un amigo de Lars llamado Ron Quintana, quien tenía "Metalmania" y "Metallica" como posibles nombres para un nuevo fanzine musical, aunque se inclinaba más por el segundo. A Ulrich le gustó tanto "Metallica" que rápidamente le recomendó (a Quintana) que llamara "Metalmania" al fanzine. Así, la banda de Ulrich y Hetfield tomó el nombre Metallica.

Ulrich se trasladó al local que Hetfield poseía junto a su amigo Ron McGovney, el cual provenía de una familia acomodada que poseía numerosas propiedades. Hetfield le pidió a McGovney que tocara el bajo en la banda y se ofreció a enseñarle. Además, Ron fue el diseñador del ya famoso logotipo de la banda.[cita requerida] Tras incesantes intentos de conseguir un guitarrista solista influido por Motörhead y Iron Maiden, encontraron a Lloyd Grant, un joven guitarrista afroamericano con quien tocaron la primera demo de Metallica, titulada Hit the Lights (1981). Lloyd, que no pensaba quedarse mucho tiempo en la banda, fue al poco tiempo sustituido por Dave Mustaine en la guitarra líder, completando así la primera formación de Metallica, ya que en Mustaine encontraron a la persona ideal para cerrar la formación. El primer paso fue la grabación del tema para la primera entrega de Metal Massacre. El elegido sería "Hit the Lights", tema que provenía de la anterior banda de Hetfield, Leather Charm, en una versión bastante alejada de la que un año más tarde aparecería en el primer álbum oficial del grupo.

El debut de Metallica en directo tendría lugar el 14 de marzo de 1982 en el club Radio City de Anaheim, en una actuación en la que la falta de experiencia sobre el escenario ocasionó serios problemas a la banda. Dos semanas más tarde tendrían la oportunidad de enmendar su error abriendo dos noches seguidas para los ingleses Saxon en el local Whiskey-A-Go-Go de Los Ángeles. Cabe decir que dentro del libreto del álbum de versiones que la banda realizó en 1998 titulado Garage Inc pueden encontrarse reproducidas las notas que el propio Ulrich tomó en aquel momento sobre la marcha de estos dos conciertos, incluyendo los setlists de ambas noches y las impresiones del batería sobre la marcha de las mismas.

La decepción que ocasionó a la banda estos dos malos conciertos hizo que se replanteasen la contratación de un vocalista mientras Hetfield y Mustaine fuesen los dos guitarristas de la banda. Para ello se contrató a Sammy Dijon, ex vocalista de la banda Ruthless, quien realizó algunas pruebas pero que no fue finalmente admitido en el seno del grupo, por lo que fue despedido. En abril de 1982 se contrató a otro guitarrista, Damien Phillips (de nombre real Brad Parker), para actuar como tal mientras Hetfield se concentraba delante del micrófono, pero también fue despedido después de su primera actuación con la banda debido a la negativa de Mustaine a que hubiese un tercer guitarrista. Posteriormente se barajaron varios cantantes, entre los cuales estaban John Bush, futuro vocalista de Armored Saint, y Jesse Cox de Tygers of Pan Tang. Ninguno fue admitido, motivo por el que Hetfield pasó a encargarse tanto de la segunda guitarra como de la voz desde aquel momento. En un ensayo realizado en la antigua escuela de Lars Ulrich, el vocalista fue Jeff Warner, del que se cuenta que no fue aceptado porque desafinaba demasiado.

Con la edición de Metal Massacre en el mes de julio de 1982, el grupo, tras renegar de la versión de "Hit the Lights" aparecida en el mismo por encontrarse completamente desfasada de lo que constituía su nuevo sonido, decidió grabar su primer demo, titulado No Life 'til Leather probablemente en una alusión al álbum de Motörhead No Sleep 'til Hammersmith. Siete temas formarían parte de este demo, entre los que se encuentra una versión mucho más potente y acelerada de "Hit the Lights". Con una agenda de conciertos cada vez más ajustada, Hetfield y Ulrich comenzaron a plantearse la sustitución de McGovney. Años después, éste dijo en una entrevista que el resto de la banda le dejaba que se encargara de todo. Es en ese momento cuando empiezan a aparecer los problemas con Dave Mustaine, derivados de un carácter extremadamente violento unido al consumo extremo de alcohol y drogas. Conocedor de la necesidad de Metallica de reclutar un nuevo bajista, Brian Slagel recomienda a Lars y James la banda Trauma, que acababa de editar uno de sus temas en la segunda entrega de Metal Massacre. Hetfield y Ulrich quedarían totalmente impresionados con la destreza y presencia en el escenario de su bajista, Cliff Burton, ofreciéndole inmediatamente el entrar a formar parte de Metallica, lo cual sería inicialmente rechazado por Burton.

Kirk Hammett.

Aún con McGovney en sus filas, grabarían el 29 de noviembre del mismo año (1982) un demo en directo en el The Waldorf de San Francisco, que recibiría el nombre de Live Metal Up Your Ass y en la que estrenarían el tema "Whiplash", inédito hasta entonces. El concierto tendría como teloneros a Exodus, cuyo guitarrista líder, un joven Kirk Hammett, causaría una gran impresión en James y Lars, que ante los crecientes problemas con Mustaine comenzaron a considerarlo como un reemplazo perfecto. Poco tiempo después McGovney decidió dejar Metallica al oír que habían estado estableciendo contactos con Cliff Burton, para incorporarse a Phantasm, al contrario de la creencia popular de que fue despedido. Posteriormente declaró: "Nunca escuché 'Estás despedido' o algo así de parte de ellos. Yo renuncié, aunque es obvio que, aunque no hubiera renunciado, me iban a despedir de todas maneras". Al mismo tiempo, Cliff Burton, quien estaba teniendo problemas con Trauma debido a la dirección que el resto de los integrantes querían tomar con respecto a su música, decidió pasarse a las filas de Metallica. La única condición no negociable que puso el bajista fue que la banda se trasladase a San Francisco, donde los nuevos sonidos relacionados con el thrash comenzaban a generar una legión de seguidores que recibió el nombre de "Bay Area Bangers". En cualquier caso, Hetfield, Ulrich y Mustaine ya estaban pensando en mudarse a San Francisco, puesto que habían observado la energía y el entusiasmo de la escena thrash de esa ciudad, además de porque la escena de Los Ángeles estaba dominada por el cada vez más famoso glam metal, con bandas como Mötley Crüe y Ratt.

BOLIVIA: MUSEO DE ARTE EXHIBE LA COLECCIÓN DE 26 ARTISTAS. 

Obras de entre los años 1980 y 2000 son parte de la propuesta de la exposición.  

El Museo Nacional de Arte (MNA) abrió recientemente la muestra titulada "Entre dos siglos", colección de entre los años 1980 a 2000 de 26 artistas nacionales. La exposición estará abierta al público hasta el domingo 7 de septiembre en el Patio de Cristal del MNA (calle Comercio y Socabaya). 

La muestra plantea una vista entre el siglo XX y el XXI, que marcó la transición entre el paradigma moderno y los paradigmas de la pos modernidad. El arte moderno, que en el país, estaba expresado principalmente en la pintura y la escultura, fue cuestionado. A partir de la década de los 80, se introdujeron piezas que cuestionaron la obra de arte como objeto estético, la figura del artista como "genio creador", el hermetismo y la autosuficiencia del mundo del arte, aislado del resto de las expresiones humanas.

Los protagonistas. La colección propone expresiones de las últimas corrientes de la pintura moderna, es el caso de la neo figuración en la obra de Keiko Gonzales y el neo expresionismo en el trabajo de Ángeles Fabbri, Patricia Mariaca, EJthi Stij, Cecilia Wilde, Luis Zilvetti y Beatriz Nogales.  

En la exposición se muestra, a través de piezas de las colecciones del MNA, distintos ejes de reflexión. Están, por ejemplo, las piezas que enfocan los problemas de identidad, tanto de la individual, en las que se destaca el problema de género, la tensión existente entre el mundo masculino y el femenino, la relación del individuo frente a la sociedad, que se muestran en los trabajos de Erika Ewel, Valia Carvallo, Sol Mateo, Cecilia Lampo, Joaquín Sánchez, Guiomar Mesa, Zenón Sanzuste y Cecilia Lampo.

Así también están las que cuestionan las identidades colectivas, en los que destacan las reflexiones acerca de la inclusión del mundo indígena, la tercera edad, la extrema pobreza, el empleo de las imágenes, que se encuentra en la obra de Gastón Ugalde, cuestionada con mayor contundencia en la obra de Álvaro Ruiloba; la existencia de imaginarios y cosmovisiones paralelas que se develan en el trabajo de David Angles, Fabricio Lara, Juan Recacochea y Adriana Bravo. Ese eje se entrecruza con el enfoque de la identidad nacional y su presencia en el mundo contemporáneo que se presenta en el trabajo de Mario Conde y en la acuarela de Ruiloba, que son matizados con temas de la cotidianeidad contemporánea en la obra de Raquel Swartz.

Finalmente un espacio de reflexión, que actualmente va tomando mayor vigencia es la relación de las culturas con el planeta y la biodiversidad, puede apreciarse en el trabajo de Cecilia Wilde y Gilka Wara Liberman.

A ellos se suma la obra de Roberto Valcárcel con un conjunto de piezas que revalorizaban el empleo de materiales no tradicionales.

30 días es el tiempo dispuesto para la exposición de las obras. Del 9 de agosto al 7 de septiembre.  

Artista mexicano crea polémica con su arte inspirado en Disney. 

El artista mexicano José Rodolfo Loaiza Ontiveros está dando de qué hablar en las redes sociales por su arte inspirado en personajes de Disney. Tanto así que ahora tiene dos nuevos apodos, “el artista polémico” y “el artista que arruina infancias”, tras presentar sus obras en Los Ángeles.

¿A qué se debe la controversia? Pues a la exposición Profanity Pop que Loaiza Ontiveros presentó el pasado 1 de agosto en La Luz de Jesús Gallery de la ciudad californiana. En la misma se muestran un trabajo al óleo a dos príncipes a los que casa el papa Francisco y lo titula "¿Quién soy yo para juzgarlos?". Ya ha sido vendido por $1,800.

En otra obra se puede apreciar a una Blancanieves con sobrepeso tomándose un selfie. Se titula "Espejito, espejito en la pared".

Otro cuadro titulado "Paloma negra" muestra a Blanca Nieves, Cenicienta, Bella y Frida Kahlo con caras de decepcionadas mientras cada una sostiene una botella de bebida. Fue vendido por $2,600.

En "La revancha de Cenicienta" , vendido por $2,500, el famoso personaje escribe insultos en el retrato de su madrastra. ¿Qué te parecen?

Otras Obras:

Venezuela / Ukraine: una exposición de arte que conecta realidades.

“Venezuela/Ukraine. Unexpected conversation” es una exposición de la Black Square Gallery en Miami que ha reunido el trabajo de cuatro artistas contemporáneos venezolanos y dos propuestas multimedia ucranianas para establecer un diálogo (a través del contraste y el discurso inesperado) acerca de las crisis políticas y sociales que estos países están viviendo

Es un diálogo a destacar: este mes, en Miami, Black Square Gallery, está presentando Venezuela/Ukraine. Unexpected conversation. Una muestra que entabla diálogos paralelos y contrapuestos entre las obras de cuatro artistas visuales venezolanos y dos propuestas multimedia ucranianas.

A partir de la crisis social que se acentuó en Venezuela durante este 2014, puede que para muchos el escenario visto y vivido no guardase demasiada diferencia de lo que se transmitía en los medios de comunicación acerca del conflicto que se estaba dando paralelamente en Ucrania. Esa asociación –con los niveles de diferencia respectivos– pudo tener cabida para algunos: a simple vista la coincidencia residiría en una identificación de realidades palpables (la violencia en las calles producto de protestas de grupos descontentos), aunque los orígenes de cada conflicto hayan sido disímiles.

Lo (probablemente) inesperado era que rápidamente se estableciera un diálogo por medio de las artes visuales que trataran –por separado y en contraposición– ambos conflictos. En la muestra cuatro venezolanos: Amalia Caputo, Carola Bravo, Pepe López y Tony Vázquez desmontaban nuestro país desde varios tópicos estableciendo, a través de las propuestas visuales, críticas culturales. Aquí varios ejemplos: Caputo en Constellation, a place of no return (2014), en una instalación que reúne fotografía, sonido y video, intenta revivir a una Venezuela a la que desea recuperar, se activa la nostalgia, el temor y la impotencia ante la pérdida de un país que ya no es. Bravo en Golden Scars (2014), repara al mapa de Venezuela, que se concibe herido y lesionado, con rellenos de oro. Su interés es abarcar el símbolo patrio como una forma desde donde reconfigurar y rescatar la ecuanimidad en medio de condiciones de cambio. Pepe López en Historia contemporánea de Venezuela (2014) coloca varias botellas de whisky en un carrito tipo bar para contar su propia versión de la historia venezolana y sus períodos políticos a través de las marcas de licor escocés. Tony Vázquez en La Alquitrana (2014), elabora una escultura que reproduce la forma de una tradicional cafetera hecha en material bituminoso para indagar sobre la idea de cómo en Venezuela hemos sobreestimado al petróleo como única fuente de riquezas sin tomar en cuenta que, por ejemplo, nuestro país puede destacar como un principal productor de café. Son diálogos interesantes de artistas jóvenes venezolanos que comentan, desde sus propias miradas, a la Venezuela en crisis tomando en cuenta el pasado que nos ha conformado como sociedad y el presente que nos tiene atrapados en una crisis política y social.

Vista en sala de instalaciones de Amalia Caputo y al fondo, Tony Vázquez / Foto: Cortesía Oriol Tarridas Photography

Por su parte Ucrania es representada por dos grupos multimedia. Strike Plakat es un proyecto que reside en Facebook en donde artistas y diseñadores gráficos suben sus posters y quien desee tiene la posibilidad de descargarlos, imprimirlos y llevarlos como material visual a cada protesta. Y, por otro lado, Babylon 13 es un documental creado por varios directores en Kiev que narra el proceso en que los ciudadanos comenzaron una protesta pacífica denunciando la corrupción del gobierno de su país.

Las Tortugas Ninja, convertidas en obras de arte renacentista.

  Es de sobra conocido que el nombre de las Tortugas Ninja responde a un homenaje a los artistas del renacimiento como Da Vinci, Donatello, Rafael o Miguel Ángel; pero, ¿cómo serían las famosas tortugas si se convirtieran en algunas de las obras más memorables de estos pintores y escultores?

   A continuación te mostramos el resultado de mimetizarlas con El David de Miguel Ángel, El Hombre de Vitruvio de Da Vinci, el retrato de Bindo Altoviti de Rafael o El David de Donatello.

EL DAVID DE MIGUEL ÁNGEL:

EL HOMBRE DE VITRUVIO DE DA VINCI:

EL RETRATO DE BINDO ALTOVITI DE RAFAEL:

EL DAVID DE DONATELLO:

  En su nueva versión cinematográfica, Donatello, Leonardo, Raphael y Michelangelo deberán enfrentarse de nuevo a Shredder y su malvado Clan del Pie que mantienen un control férreo sobre los políticos y policías de Nueva York. Llega la esperanza cuando cuatro hermanos, las Tortugas Ninja, salen de las alcantarillas para combatir el mal, con la ayuda de la reportera April O'Neal (Megan Fox) y su cámara Vern Fenwick.

    Ninja Turtles llegará a los cines españoles el 29 de septiembre tras hacerlo en Estados Unidos el 8 de agosto. Junto a Fox, Alan Ritchson, Jeremy Howard, Pete Ploszek, Noel Fisher, Will Arnett, Danny Woodburn, Johnny Knoxville y William Fichtner completan el reparto de la cinta de Jonatham Liesbesman.

El arte digital se puede colgar en la pared.

En un mundo dominado por el internet y la cultura visual, el arte debe adecuarse hacia ciertas exigencias. ¿Por qué no pensar, por ejemplo, en colgar una obra de arte digital en la pared de tu casa o un museo? 

A Jake Levine, un emprendedor en Nueva York, le gusta el tipo de arte que tiende a ser popular en internet – fotografías ingeniosamente manipuladas en Photoshop, e imágenes animadas como GIFs – y quería una forma de sacarlo de su computadora y ponerlo en una pared. Pero, ¿cómo se cuelgan los pixeles en una pared?

Consideró sus opciones. Sí, los marcos de imágenes digitales eran poco costosos y estaban ampliamente disponibles, pero tendían a ser pequeños y poco sofisticados. Y parecía un derroche colgar una tableta o un monitor costoso en una pared, donde sería tentador usar el aparato para navegar por internet o ver películas en lugar de disfrutar de una pieza de arte.

Eventualmente, armó un lienzo digital usando un monitor poco costoso y una computadora llamada Rasperry Pi. El monitor era controlado por una sencilla aplicación web que le permitía seleccionar imágenes en línea y cambiarlas instantáneamente, con un clic.

Fue lo bastante prometedor para que Levine decidiera renunciar a su empleo como gerente general de Digg, un sitio nuevo para enfocarse en construir estas pantallas de tiempo completo.

Levine llamó a su compañía Electric Objects y recaudó 1.7 millones de dólares a través de una ronda semillero de financiamiento aventurero en abril para rentar una oficina y contratar empleados. 

Para generar retroalimentación, también usó el dinero para construir y enviar un ciento de prototipos a otros emprendedores y artistas. Planea vender una versión pulida de su prototipo por 299 dólares a fines de este año.

La primera vez que escuché de la compañía, no estuve segura de que el concepto tuviera un atractivo de mercado más amplio, en gran medida porque no estoy convencida de que la gente quisiera más dispositivos con pantallas en sus casas. Como alguien que posee una tableta, un smartphone y una laptop, definitivamente yo no querría. Incluso me he resistido a comprar un televisor. Pero después de ver un prototipo, quedé impresionada por la sencillez de la máquina. Y si la gente está dispuesta a comprar dispositivos independientes para reproducir música, monitorear su salud y ayudarles a manejar sus casas, ¿por qué no comprar uno para la cultura y el arte?

UN MERCADO EN ASCENSO

Levine no es el único emprendedor que ve un mercado aquí. Varios competidores, incluidos Instacube y FRM, están trabajando en enfoques similares para las instalaciones digitales para el hogar.

Yugo Nakamura, co-fundador y director creativo de FRM, dijo que veía su marco digital como un servicio para los creadores y los fanáticos de la cultura visual.

“Si vemos hacia el futuro, las pantallas serán vistas como un medio dominante como el lienzo lo fue por siglos. Es lo que creamos con estas herramientas lo que será más recordado", señaló. 

Aseguró que la gente se sentiría atraída hacia el arte que la pantalla fomenta, y no solo el dispositivo mismo. El hardware es secundario ante el arte. “No estoy seguro si nuestro experimento 'regirá al futuro’ por decirlo así, pero el momento parece oportuno”, afirmó.

Tanto Levine como Nakamura planean cultivar redes de artistas que creen obras exclusivamente para las pantallas, las cuales la gente pudiera comprar a través de una tienda en línea. El objetivo mayor no es simplemente reproducir fotos y pinturas famosas, sino apoyar a una comunidad creciente de artistas que crean animaciones e imágenes por computadora. 

“La razón de que la gente no esté pagando por el arte digital es porque la experiencia no se siente viable”, sostuvo Levine. "Debemos sacar el arte de Internet". 

Zoë Salditch, una curadora que ha experimentado trabajar con artistas experimentales y de nuevos medios, está desarrollando la red de artistas de Electric Objects. Dijo que usar las pantallas para exhibir arte interactivo o digital era bastante común en el mundo del arte, pero no aún entre los consumidores.

“Todo el tiempo se ve este tipo de dispositivo en una versión amateur en las galerías”, comentó. Pero puede ser difícil y caro para los aficionados al arte que no tienen antecedentes en hardware y software para recrearlo.

Salditch está trabajando en crear un programa de “artistas residentes” a través de la compañía que proporcione un estipendio y un prototipo de la pantalla a varios artistas digitales, para alentarlos a crear piezas diseñadas específicamente para el dispositivo.

Robin Sloan, autor de una novela futurista llamada “Mr. Penumbra’s 24-Hour Bookstore”, ha estado jugueteando con un prototipo de Electric Objects. Dice que este tipo de dispositivos hacen el juego a nuestra actual fascinación cultural con la creación de imágenes y el hecho de compartirlas en sitios como Facebook, Pinterest, Instagram y Tumblr, pero en una forma mucho más significativa.

“Todo el Internet social está construido con base en imágenes. Y no se puede negar que todos estos sistemas parecen querer es que consumamos más imágenes, más rápidamente, todo el tiempo. Lo cual termina siendo un poco repugnante", indicó. 

Falso techo: arte yayabero en Augustusburg.

Nuevamente los integrantes del proyecto Utopía: un paso adelante han unido fuerzas e intelecto, esta vez para llevar a tierras alemanas parte del talento creador que actualmente atesora nuestra ciudad.
Gracias al trabajo mancomunado de los artistas de la plástica Julio Neira Milián (Cuba) y Rolf Büttner (Alemania), la Galería de la Torre en el Castillo de Augustusburg, en Oederan, acoge por estos días la exposición colectiva Falso techo, integrada por obras de 11 creadores yayaberos interesados en abordar la simulación como estrategia discursiva afín al arte contemporáneo.
En esta muestra podemos distinguir dos caminos estéticos fundamentales: por un lado, la tendencia post-mínimal, con trabajos donde la forma se supedita a la idea y se procura transmitir la mayor cantidad de información empleando el mínimo de recursos. Así, un elemento gráfico propio de las historietas como son los globos de diálogo, esta vez elaborados en tres dimensiones por Darel Martínez, aluden a la necesidad de crear espacios donde cada quien exprese lo que sienta o desee.
Mientras, el lúdico diálogo entre dos amantes que ofrece Darián Vidarte, amén de quebrar las fronteras entre arte y literatura, nos hace pensar en las dinámicas internas del proceso de creación y la responsabilidad real que tiene el creador al concebir la obra, pues el saldo simbólico de su pieza no se obtiene sin la participación intelectual del público.
La idea del arte reflexionando sobre sí mismo, o del arte como texto susceptible a la decodificación, son los motivos principales de los lienzos calados de Nosley Expósito, quien transforma sus obras en un verdadero ejercicio lingüístico, y de los ready made bidimensionales de Mayday Machado, interesada en potenciar las texturas propias de una pelota de basquetbol o una página impresa en alfabeto Braille, cuyas superficies pueden convertirse en tacos de grabado una vez son vistas y empleadas desde otra perspectiva. Por su parte, Alexander Hernández Chang y Ángel Luis Méndez Montagne también se hacen eco de esta relación entre vida y creación al intervenir objetos cotidianos que nos hacen reflexionar sobre los procesos de conformación de la identidad, las estrategias de supervivencia del cubano y la importancia de esas micro-historias, ocultas o silenciadas, que podemos encontrar a nuestro alrededor.
El segundo camino está más interesado en la pintura y la fotografía, e incluye obras que van desde lo grotesco expresivo (Omar Fernández Galí), el abstraccionismo lírico (Luis García Horruitiner) y la manipulación digital (Claudia Torres y Yasmani Alpízar Fis), hasta los barrocos dibujos de Julio Neira, quien despliega su particularísimo acervo iconográfico en una serie de dibujos donde la insularidad, la construcción de los imaginarios personales, la religiosidad popular y la necesidad de expresión desempeñan un papel fundamental.
En un mundo sacudido por crisis económicas, guerras absurdas y derroches tecnológicos que disuelven las fronteras de la realidad y solo aumentan la incomunicación entre los seres humanos, una vez más el proyecto Utopía… hace del arte un cruce de caminos donde artífices cubanos y alemanes se dan la mano para dialogar sobre las problemáticas que hoy estremecen a nuestro planeta. Sirva esta exposición para estrechar con nuevos bríos estos lazos creativos, y esperemos futuras ediciones en Sancti Spíritus.

Artistas palestinos convierten el humo en arte.

"Queremos llamar la atención de la gente que vive lejos de aquí sobre lo que está pasando en Gaza" declara uno de los diseñadores.

Tres artistas palestinos han transformado el negro humo que invade el cielo de la ciudad de Gaza en arte. Tal y como recoge el diario 'The Independent', el objetivo de estos diseñadores gráficos es "captar la atención de la gente sobre lo que está pasando en Gaza, sobre todo de la que vive lejos de aquí, que probablemente no sabe nada", ha declarado para el rotativo Bushra Shanan, de 25 años.

En sus diseños las cortinas de humo de las bombas israelíes se convierten en espectaculares exhibiciones de la vida cotidiana y la cultura locales. Canalizando su talento a través del Photoshop, los artistas consiguen dar vida a un grupo de niños o una familia que parece escapar del infierno.

En palabras para la página web 'Inhabit', otro de los integrantes del grupo, Twfik Gebreel, ha admitido tener la ambición de "exponer en muchos países y publicar mis representaciones sobre el sufrimiento del pueblo de Palestina con el arte".

Por su parte, Belal Khaled, el tercer miembro, un fotógrafo de la agencia Turkish Anadolu establecida en Gaza, ha convertido las columnas de aire negro en un puño cerrado, símbolo de la protesta palestina, así como en diferentes manifestaciones de la fauna autóctona.

La fuerza equina está en el arte de Hellen Constante.

Fuente: eluniverso.com.

Veinte trabajos en gran formato son los que preparó la artista ecuatoriana Hellen Constante para enviar a Asia, donde su exposición individual titulada El galopar de colores efectuará un periplo por China.

La pintora cuenta que la propuesta para elaborar esta muestra surgió el año pasado cuando un cuadro suyo quedó finalista en el Art Revolution Taipei.

“Una empresa de arte vio mi sitio web, en el que hay pinturas de caballos. Me escribieron si podría trabajar con ellos, pues creían que mis obras tenían lo que ellos necesitaban para cubrir ciertas expectativas con algunas galerías, pues allá es el Año del Caballo y querían manifestarse en arte al respecto”, señala Constante.

La serie es “una vista contemporánea” con la temática de estos equinos, comenta. “Solo hay caballos, pintados en diferentes ángulos, una mezcla de lo natural, de la fuerza de su poder, confundidos en una diversa gama de colores existentes en mi paleta”.

Las obras tienen como soporte el lienzo y el material para pintarlas fue el óleo. Constante comenta que trabaja en esta producción desde principios de este año. “Me ha tomado tiempo, no solo escogerlos (caballos), sino montar la exposición de tal forma que cubra toda expectativa, ya sea en el mostrar sus razas, colores, evitando la monotonía de la temática y sin querer rozar con el arte fotográfico”.

Dice la artista que este conjunto de cuadros le representó un reto. “Es difícil conseguir una comunicación con las expresiones del caballo, pero existen ahí muchos juegos, los colores, sus movimientos, su mirada y su presencia”.

La primera exposición de Constante se cumplirá por dos semanas desde el 18 de agosto próximo en una casa de arte de Taipéi. Luego, y por un mes, estará en la galería Tien di ren, en la misma ciudad, e irá a un estudio galería en Hong Kong.

Su obra también se verá en octubre próximo en el Festival de las Artes en Kaohsiung-Kenting. Asimismo, formará parte de una actividad en un estudio en Taipéi.

Finalmente, la muestra de Constante será trasladada al Studio 83 en Hong Kong. Se tiene previsto que los cuadros de la serie sean vendidos.

Significado de los caballos

La artista Hellen Constante afirma que los caballos “son sinónimo de fuerza, de belleza, de velocidad y de grandeza”. La pintora también ha hecho cuadros sobre mariposas, peces y un perro.

La nueva aplicación de la pinacoteca ya está disponible para Android e incluye nuevos cuadros y funciones, como ver las obras en alta definición a través del televisor.

La aplicación «Second Canvas Museo del Prado», ya está disponible, en inglés y en español, para dispositivos móviles con sistema Android. La aplicación es la primera creada con la plataforma Second Canvas, de Madpixel, e integra el conocimiento de la pinacoteca con la capacidad de interactuar del usuario.

La aplicación, que se encuentra también disponible en la App Store desde el pasado mes de marzo a un precio de 3,59 euros para iPad y iPhone, ha sido número 1 en descargas en más de 10 países en la categoría de Educación y número 1 de todas las categorías durante 10 días consecutivos en la App Store española. La nueva actualización incluye una imagen radiográfica del cuadro «El emperador Carlos V, a caballo, en la batalla de Mühlberg», de Tiziano. Una obra que se muestra por primera vez al gran público, ya que hasta ahora sólo se había visto en círculos especializados o publicaciones de museos.

Esta imagen, que dispone de varios niveles de navegación, permite admirar la obra con un altísimo detalle. Pone al descubierto el bastidor o los clavos del soporte, así como algunos arrepentimientos del pintor, como las correcciones que hizo en la figura del rey hasta dejarla más erguida y estilizada de como la había pintado en un principio.

Conectando el móvil a la televisión se pueden ver las obras en alta resolución

Otra de las posibilidades que ofrece la aplicación es su integración en las redes sociales: mientras el usuario navega por el interior de las obras maestras, puede capturar las imágenes de los detalles mostrados a través del superzoom y crear sus propias historias, que puede compartir en Facebook, Twitter o enviar por email. Por otro lado, gracias a su modalidad de conexión a la televisión por medio de cable o airplay, es posible disfrutar además de las imágenes a gran tamaño.

La «Gioconda» del Prado, por 0,89 euros

La versión para Android se ajusta al modelo freemium. De esta forma, los usuarios de Android pueden descargarse gratuitamente la aplicación, que además del Gigapíxel del Autorretrato de Durero incluye las fichas enriquecidas de todas las demás obras, y una vez dentro eligen la fórmula que prefieren para completar el contenido.

Del mismo modo, en ambas versiones es posible adquirir in-app la Gioconda del Prado por 89 céntimos. Por primera vez se puede contemplar con calidad y resolución gigapíxel esta tabla, fundamental para entender el modo de trabajo de Leonardo da Vinci y conocer las historias que encierra.

VER: App Second Canvas Museo del Prado

Arte en el puente.

Fuente: deia.com

‘ZUBIA BIZIRIK’ PRESENTA ACCIONES ARTÍSTICAS EN LA CABINA DEL PUENTE DE DEUSTO PARA REVIVIR LA MEMORIA HISTÓRICA DE BILBAO.

Se llama Zubia bizirik y es una iniciativa de la UPV y del municipio que tiene como objetivo recordar mediante el arte la importancia que tuvo el puente de Deusto para Bilbao. “La idea surgió cuando vi la cabina y pensé que la teníamos que aprovechar para que la gente viera la realidad social que vivió Bilbao en el siglo anterior”, aseguró el coordinador del proyecto, Juan Pablo Ordúñez.

La inauguración de esta iniciativa hace tres años fue un éxito aunque la obtención del presupuesto para poder ponerla en marcha resultó complicada. Aun así, seis proyecciones artísticas fueron las que vieron la luz. En el segundo año la iniciativa avanzó y consiguieron nueve y en la edición 2014 serán siete las creaciones que se expondrán en el emblemático puente.

Bilbao, en los últimos veinte años, ha mutado su aspecto de forma apabullante por eso “hay que revivir la memoria histórica de la villa y saber cuál ha sido el desarrollo”, asegura Arrate López Apellaniz.

Es la artista que ahora expone en el peculiar escenario una muestra de ocho fotos que narra los principales sucesos de la ciudad en torno al puente de Deusto. Desde Pilar Careaga, la primera mujer titulada en ingeniería industrial y alcaldesa de la villa, pasando por las revueltas de astilleros en la década de los 80 hasta cuando el puente era una referencia en el transporte fluvial. Asimismo, cuando cae el sol, un foco situado en el interior de la sala de mandos, alumbra las imágenes emulando a un faro que devuelve a la vida los recuerdos perdidos.

“Técnicamente me ha exigido mucho, pero personalmente ha sido espectacular. Todo el mundo me ha ayudado sin poner ninguna pega”, afirmaba López.

Zubia bizirik está destinado a jóvenes artistas que no gozan de oportunidades para poder exponer. Por eso, el coordinador afirma que “tuvo que decir que no a grandes artistas” para mantener la filosofía.

“Bilbao tiene todo lo bueno y todo lo malo; tiene muchos eventos artísticos, pero están desconectados entre sí”, afirma Orduñez. El proyecto, ideado por Ordúñez en colaboración con Arantza Lauzirika, decana de la facultad de Bellas Artes de la UPV/EHU enfoca el rumbo que sigue la docencia de esta materia. La línea de profesionalización hace que los alumnos se enfrenten a la realidad de los problemas de un artista.

Los bilbainos pueden seguir disfrutando del arte en plena ciudad, ya que este mes la iniciativa artística cita a Ixone Ormaeche para que deleite con su frescura y creatividad a todos los amantes de la cultura y de la historia.